Great Artists F-L

L'artista tedesco Caspar David Friedrich è uno dei più importanti rappresentanti del "paesaggio simbolico" dell'arte romantica del XIX secolo. La sua pittura si basava su un'attenta osservazione dei paesaggi, in particolare dei loro effetti di luce. Considerava il paesaggio naturale un'opera divina e le sue raffigurazioni ritraevano sempre momenti particolari come l'alba, il tramonto o l'arrivo di una tempesta. Anche se non vediamo i volti delle persone ritratte, che nel nostro collage abbiamo aumentato con altri suoi ritratti, possiamo intuirne i sentimenti; ed è proprio in questo che risiede la grandezza di Friedrich: le figure di spalle, rivolte verso il paesaggio marino argentato, riescono a comunicare l'inquietudine e la solitudine di fronte alla grandiosità della natura.

Morì il 7 maggio 1840 a Dresda, lasciando un'eredità artistica che sarebbe stata riscoperta e rivalutata per tutto il XX secolo.

Thomas Gainsborough (1727/1788) è stato un pittore inglese, attivo principalmente come ritrattista e paesaggista. Al centro del nostro collage è raffigurata un'elegante signora: il ritratto del 1764 della contessa Mary Howe, uno dei ritratti femminili più sorprendenti e iconici di Gainsborough. L’artista credeva che l'abito contemporaneo aiutasse a catturare la vera somiglianza di una modella, e qui la contessa Howe è raffigurata nell'abito più alla moda degli anni '60 del Settecento.

Indossa un abito in taffetà di seta rosa, una "Robe à l'Anglaise", nota per il taglio preciso, la costruzione e le finiture semplici. La contessa è attorniata da altri personaggi che Gainsborough ha ritratto con abilità nel corso della sua carriera.

Paul Gauguin, pittore francese (1848/1903), è considerato tra i più grandi maestri del post-impressionismo. Apprezzato solo dopo la sua morte, Gauguin è riconosciuto per il suo uso sperimentale del colore e dello stile, diverso dall'impressionismo del suo tempo: uno stile che ricerca forme semplici e naturali, ottenute attraverso ampie macchie di colori vivaci, delimitate da spesse linee marcate.

L’autoritratto, del quale ne abbiamo inseriti due, fu un elemento significativo della produzione di Gauguin. Ecco alcune affermazioni dell’artista riguardo ai suoi autoritratti: “Un volto da fuorilegge con una nobiltà interiore", simbolo del pittore impressionista contemporaneo" e "un ritratto di tutte le vittime miserabili della società".

Artemisia, nacque a Roma nel 1593. A 12 anni, primogenita e unica figlia femmina, rimasta orfana di madre, alternò l'apprendistato nella bottega del padre, il pittore Orazio Gentileschi, con la cura dei fratelli minori. Il suo destino fu che nella bottega del padre incappò due uomini che la segnarono per tutta la vita, il primo incontro fu illuminante e proficuo, il secondo drammaticamente violento e umiliante. Il primo uomo fu Caravaggio, molto chiacchierato in città per le sue opere spesso considerate scandalose, che si recò in visita dall'amico Orazio per sfogarsi e trovare comprensione e ammirazione. Il secondo incontro fu con Agostino Tassi, collaboratore occasionale del padre. Se Caravaggio non godeva di grande fama in tutti gli ambienti per le sue opere, Tassi era tuttavia temuto per le sue azioni scellerate e violente. Infatti, invaghito della giovane Artemisia, dopo diversi approcci respinti con forza, un giorno, trovandola sola in bottega, la violentò brutalmente.

Passano gli anni e la Gentileschi si afferma come pittrice e spesso, nei dipinti che le vengono commissionati, "Artemisia traspone sulle sue tele le conseguenze psicologiche dei tanti dipinti dedicati all'edificante tema delle eroine bibliche: donne determinate, incuranti del pericolo e animate da un desiderio di vendetta, trionfano sul nemico crudele e affermano il loro diritto all'interno della società”. Nonostante i pettegolezzi, Artemisia riuscì a stringere rapporti con i personaggi più influenti del suo tempo a Firenze, a partire da Cosimo II de' Medici. Fu amica di Galileo Galilei, con il quale ebbe una lunga relazione epistolare, e fu amata dall'omonimo nipote di Michelangelo Buonarroti. Voci maligne sulla sua condotta continuarono a circolare sul suo conto per tutta la vita. Ma Artemisia non ci badava e, indipendente com'era, decise di lasciare il marito nel 621 e tornare nella sua Roma. Per altri trent’anni riceverà importanti committenze per affreschi e ritratti nelle principali città italiane; tra queste, Londra e Napoli, dove morì nel 1653. La terribile violenza subita, e le successive umiliazioni per non aver ricevuto giustizia, segnarono profondamente Artemisia. Il padre decise allora di far sposare in fretta e furia la figlia, combinando le nozze e il trasferimento a Firenze con Pierantonio Stiattesi, un modesto pittore che deve la sua scarsa fama proprio a questo matrimonio inaspettato.

Giotto di Bondone, o più semplicemente Giotto (1267/1337), fu un celebre pittore e architetto toscano, che rivoluzionò il linguaggio figurativo della pittura bizantina imperante, lavorò in tutte le più importanti città italiane e fu elogiato dai suoi stessi contemporanei, diventando un artista di grande fama.

A differenza del passato, dove il modello era quello delle icone bizantine, Giotto introdusse una rivoluzione nel gusto che fece tendenza per i due secoli successivi. Dipingendo le figure in modo naturale ed espressivo, permetteva agli spettatori una nuova esperienza estetica che fino ad allora non aveva precedenti: l'identificazione emotiva. Giotto fu anche un abile imprenditore: disponendo di una bottega molto numerosa, si dedicava principalmente alle composizioni più importanti, delegando poi quelle secondarie ai suoi collaboratori. La velocità e l'organizzazione dei suoi cantieri gli permettevano di trovare sempre lavoro. "Le capacità di Giotto come inventore e compositore forniscono esempi che possono ancora essere studiati con profitto dall'artista che desidera eccellere." (William Young Ottley)

Thomas Cooper Gotch (1854/1931), pittore inglese, subì una profonda influenza dal movimento dei Preraffaelliti e ottenne un notevole successo con i suoi ritratti di eleganti dame, scene religiose o storiche, scene di genere e paesaggi. Tuttavia, divenne molto popolare e acclamato per le sue raffigurazioni colorate di bambini e bambine in abiti medievali, ambientati in ambienti senza tempo; così come abbiamo fatto componendo questo collage.

I Preraffaelliti costituiscono un movimento artistico britannico del XIX secolo, noto per la sua reazione agli standard accademici. Il loro intento era quello di tornare a una forma d'arte precedente all'influenza di Raffaello, quindi ispirata dalla pittura italiana del tardo medioevo.

Il XVII secolo fu un periodo in cui l'arte barocca, con la sua intensità emotiva e il suo fascino drammatico, divenne lo stile dominante. In questo vibrante clima artistico, emerse la figura di Giovanni Francesco Barbieri, detto Guercino (1591/1666), uno dei più importanti pittori italiani del Seicento. Molti critici paragonano il suo stile al realismo di Caravaggio, in particolare per l'uso della luce.

Nel 1621, Guercino si trasferì a Roma per decorare Villa Aurora, della potente famiglia Ludovisi. Ciò avvenne in occasione dell'ascesa al soglio pontificio di Alessandro Ludovisi, con il nome di Papa Gregorio XV. È in una di queste prestigiose sale che abbiamo scelto di ambientare il nostro collage, con immagini di dettagli selezionati della produzione artistica di questo grande pittore italiano.

Dopo i celebri artisti Vermeer e Rembrandt, ecco il terzo pilastro della pittura olandese del Secolo d'Oro: Frans Hals (1583/1666). La vitalità dei suoi ritratti, vivi e palpitanti, si distingue per essere audacemente unico e assolutamente originale per l'epoca. “Frans Hals fu uno dei pochissimi artisti a raffigurare con successo persone sorridenti, un'impresa di solito particolarmente ardua per un pittore." (Paola Testoni) Tra il 1616 e il 1639, Frans Hals dipinse cinque enormi ritratti di gruppo delle guardie civiche della città di Haarlem.

Alcuni dettagli di queste scene conviviali sono stati riuniti nel nostro collage per illustrare l’affermazione di Johan Huizinga: “La naturalezza e la genuina semplicità dei dipinti di Hals continuano a impressionare anche gli stranieri che non conoscono bene il nostro Paese e la nostra gente."

Il nostro collage è dedicato ai ritratti femminili realizzati dal pittore italiano Francesco Hayez (1791/1882): a sinistra appare Carolina Zucchi, modella e allieva di Hayez, con cui aveva anche instaurato una relazione sentimentale, anche evidenziata da una serie di disegni dal forte contenuto erotico. Mentre a destra, con il seno scoperto, vi è il dipinto del 1851; immagine allegorica dell'Italia delusa dal fallimento della rivolta dei milanesi scoppiata nel 1848, per liberarsi dall'oppressione austriaca.

Gli occhi della giovane donna risaltano sul volto in ombra e fissano con sguardo diretto l’osservatore; il seno scoperto è il primo elemento che chiarisce l'identità della figura: la patria rappresentata come la madre che allatta, pronta a nutrire i suoi figli. Il fascino di quest'opera risiede nella perfetta combinazione di critica politica e angoscia esistenziale.

Gli animali giocarono un ruolo fondamentale nelle opere dell’artista messicana Frida Kahlo (1907/1954), protagonisti, insieme alla pittrice, di numerosi autoritratti o parte integrante dei paesaggi dipinti. Si circondò di animali che le trasmettevano fiducia e sicurezza, diventando per lei i figli che non aveva mai avuto, gli amici su cui poteva contare. Erano compagni di abbracci, sostegni nel buio della solitudine e amici con cui condividere la gioia.

Nella vita di Frida, gli animali non furono mai una cornice, ma piuttosto un'opera d'arte. "I cani sono il nostro legame con il paradiso. Non conoscono il male, la gelosia o il malcontento. Sedersi con un cane su una collina in un pomeriggio caldo è come essere in paradiso, dove il non fare nulla non è noioso... è solo pace”. (Frida Kahlo)

Il nostro collage è un omaggio a due grandi uomini: in primo luogo all'artista inglese William Hogarth (1697-1764), che ritrasse in due pose il suo amico David Garrick, attore del XVIII secolo in uno dei suoi ruoli più celebri: re Riccardo III di Shakespeare. Il re è raffigurato sulla destra, visibilmente preoccupato la notte prima della battaglia. Il famoso attore è anche ritratto sulla sinistra, nei suoi abiti abituali.

Nonostante la loro stretta amicizia, iniziata dopo che Hogarth dipinse nel 1745 Garrick nei panni del re Riccardo III; la tradizione vuole che i due amici abbiano discusso su questo ritratto. Garrick, a quanto pare, non era soddisfatto della sua somiglianza. Lo sfondo del collage è occupato dai personaggi del matrimonio tra Stephen Beckingham e Mary Cox, un altro famoso dipinto di William Hogarth del 1729.

Katsushika Hokusai (1760 - 1849), è stato uno dei più famosi artisti del Giappone. Le sue opere uniscono estetica tradizionale a un linguaggio visivo dinamico. Nella sua sterminata produzione artistica, all’incirca un migliaio di opere, Hokusai ebbe modo di confrontarsi con una vasta varietà di temi e di soggetti. La sua arte, entusiasticamente collezionata nell’Europa del XIX secolo, in particolare in Francia, e all’influenza che le riproduzioni delle sue opere ebbero sugli artisti parigini di fine Ottocento.

Manet, Toulouse-Lautrec, Monet e Van Gogh che furono anche protagonisti del movimento “Japonisme”. Pertanto nel nostro collage abbiamo voluto inserire alcuni dettagli di alcune opere dello sfortunato pittore olandese: dal tronco d'albero in primo piano allo sfondo, con un eccentrico colore rosso scuro.

L'artista svizzero Hans Holbein il Giovane imparò a dipingere da suo padre, Hans il Vecchio, contribuendo anch'egli, come il padre, alla transizione dell'arte nordeuropea dallo stile gotico a quello rinascimentale. Hans il Giovane è storicamente noto per il suo ritratto dell'umanista Erasmo da Rotterdam, autore della Bibbia di Martin Lutero. Per realizzare i suoi ritratti, disegnava prima a matita prima di dipingere i soggetti, e questi disegni sono considerati opere d'arte a sé stanti.

La sua ultima opera fu un ritratto incompleto di Re Enrico VIII, iniziato mentre si trovava a Londra, dove morì di peste nel 1543. Nel nostro collage, tra i vari ritratti, possiamo riconoscere Robert Cheseman, il capo falconiere del Re inglese Enrico VIII.

L’artista francese Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780/1867) studiò a Parigi con Jacques-Louis David e fu un grande ammiratore della pittura italiana del Rinascimento, in particolare dell'opera di Raffaello, avendo trascorso molti anni a Roma.

L’artista francese Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780/1867) studiò a Parigi con Jacques-Louis David e fu un grande ammiratore della pittura italiana del Rinascimento, in particolare dell'opera di Raffaello, avendo trascorso molti anni a Roma.

Wasily Kandinsky (1866/1944) era un pittore russo, ma all'età di trent'anni si trasferì a Monaco, città artisticamente molto vivace, per studiare pittura. Il pittore è noto per aver inventato l'arte astratta, sebbene altri artisti si siano indirizzati verso l'astrazione negli stessi anni. La leggenda narra che Kandinsky confessò che una sera, tornando a casa, aveva visto un bellissimo dipinto che lo aveva sbalordito; semplicemente era appoggiato a testa in giù..

Nel 1910 eliminò completamente le figure e compose il primo acquerello astratto, in cui forme e colori fluttuano liberamente senza cercare di dare un senso. Quindi, “il significato dell'astrattismo, con le forme e colori fluttuano liberamente, va ricercato in qualcosa di più musicale, dove si può ascoltare il suono dei colori, lento o veloce, in un'armonia generale; a volte leggero e morbido, a volte giocoso e vivace”.

L'artista svizzero-tedesco Paul Klee (1879/1940) fu pittore e musicista, ma il suo percorso artistico non fu facile, poiché spesso rompeva i canoni "accademici" della pittura. Come il suo amico Wasily Kandinsky, Paul Klee insegnò al Bauhaus di Weimar dal 1921 e poi a Dessau. La sua vita fu segnata dalla persecuzione nazista a causa delle sue origini ebraiche, che influenzarono significativamente la sua produzione artistica.

Nonostante le difficoltà personali e una malattia autoimmune che lo colpì negli anni '30, Klee continuò a dipingere fino alla sua morte, avvenuta nel 1940, lasciando un'eredità artistica intrisa di profondità simbolica e straordinaria versatilità. "L'arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non è sempre visibile". (Paul Klee)

Tra i pittori moderni l’austriaco Gustav Klimt (1862/1918) è certamente uno degli artisti più iconici di tutti i tempi. La sua produzione artistica continua ad affascinare intere generazioni, soprattutto per la rappresentazione di donne sensuali e fatali avvolte in decorazioni geometriche e dorate. "Per tutta la vita Klimt fu affascinato dalle donne: le dipinse in ogni modo possibile e si dice che nel suo atelier amasse circondarsi di modelle nude anche quando non era costretto a dipingere.

Studiava i loro movimenti, la sinuosità dei loro corpi, il loro sguardo e il mistero della loro femminilità. Che siano vestite con abiti sontuosi o completamente nude, le figure femminili di Gustav Klimt ci attraggono e ci seducono come le sirene dell’Odissea”. (Monica Marcoleoni)

Sir Thomas Lawrence (1769/1830) dominò l'arte del ritratto in Inghilterra per quarant’anni, principalmente impegnato in un'importante commesse da parte della Casa Reale. Lawrence si recò poi a Roma, dove dipinse Papa Pio VII (il dipinto si trova ora a Windsor) che vediamo seduto sul trono nel nostro collage. Nel frattempo, "Il ragazzo rosso", raffigurato in primo piano, è riconosciuto come uno dei capolavori di Lawrence e divenne il primo dipinto ad essere riprodotto su un francobollo britannico nel 1967.

Il suo stile elegante tendeva a idealizzare il soggetto, soprattutto quando il soggetto del suo ritratto era una donna affascinante, come "La marchesa Du Blaizel" del 1825. Abbiamo ingrandito un primo piano del suo volto nel grande pannello all'interno del collage, accanto al Duca di Portland.

Il nostro collage, omaggio al grande maestro Leonardo da Vinci, vede affiancati in un'unica composizione un trio di ritratti di nobildonne milanesi che l'artista toscano dipinse negli anni '70 e '80 del Quattrocento, durante il suo soggiorno milanese alla corte di Ludovico Sforza detto il Moro. Il primo ritratto a sinistra è "La Belle Ferronière", uno dei ritratti più celebri, dallo sguardo affascinante ed enigmatico, del maestro del Rinascimento italiano. Il dipinto è conservato a Parigi, presso il prestigioso Museo del Louvre, insieme alle opere più celebri del pittore toscano, come La Gioconda e La Vergine delle Rocce. Al centro vediamo la celebre “Dama con l’ermellino", oggi al Museo Nazionale di Cracovia.

La critica è unanime nell'identificare la dama ritratta in Cecilia Gallerani, nota per essere stata l'amante del signore di Milano Ludovico Sforza, abile stratega, nonché raffinato mecenate. Un'espressione impenetrabile su un volto irrigidito nella sua malinconica lontananza, riflette la raffinatezza della sedicenne “Ginevra de' Benci”, ritratta da Leonardo, che abbiamo collocato in terza posizione, “con lo sguardo della donna che sfugge all'osservatore, come a voler isolare la ragazza nella sua dimensione privata, lontana dallo spettatore”. (Samantha Martin) È un altro segno della grandezza di Leonardo che in quello sguardo ha voluto interpretare la condizione psicologica della ragazza costretta a sposare un uomo che non amava, di 15 anni più grande, solo per imposizione dettata dagli interessi politici ed economici del padre di Ginevra, ricco e potente banchiere milanese.

La scuola pittorica senese fiorì in Italia tra il XIII e il XV secolo e riuscì a competere con quella fiorentina, pur essendo più conservatrice e concentrandosi maggiormente sulla bellezza decorativa e l'eleganza del tardo periodo gotico. Uno dei massimi esponenti di quella scuola è Ambrogio Lorenzetti (1290/1348). Si dice spesso che lo stile delle opere di Lorenzetti abbia anticipato il Rinascimento italiano, ma pochissime opere di Lorenzetti sono giunte fino a noi.

Come la "Madonna col Bambino", eseguita nel 1319, che appare al centro del nostro collage, dove sullo sfondo si vedono le torri medievali di Siena; molte di più di quelle che si possono ammirare oggi, ad esempio, a San Gimignano. Parafrasando Dante, potremmo dire che Siena, come Monteriggioni, sono città che"si coronano di torri".

Nel nostro collage, la donna indica il foglio con la frase latina che elogia la virtù di Lucrezia, con l'intento di stabilire un collegamento tra la donna rappresentata nel dipinto e la matrona romana che si tolse la vita dopo essere stata violentata da Sesto, figlio di Tarquinio il Superbo, ultimo re di Roma. Lucrezia si uccise per sfuggire al disonore, provocando così l'indignazione del popolo che costrinse il re e i suoi figli ad abbandonare la città.

Pittore solitario e inquieto, dalla vita tormentata e dalla fortuna sventurata, Lorenzo Lotto (1480/1557) è oggi completamente rivalutato."L'artista veneziano è importantissimo per il suo essere completamente fuori da ogni schema; la sua ritrattistica rappresenta l'apice della ritrattistica cinquecentesca".