Sculptors and Sculptures

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Se Michelangelo è uno dei maggiori rappresentanti del Rinascimento, Bernini lo è del Barocco. Una delle caratteristiche distintive dello stile di Bernini era la sua abilità nel catturare il movimento e la vita nelle sue sculture. La Girandola, dipinta dall’inglese Joseph Wright of Derby nel 1775, che fa da sfondo al collage, era uno spettacolo pirotecnico allestito a Roma, in occasione dell'insediamento di un nuovo Papa. Wright fu a Roma nel 1775 e testimone oculare in occasione dell’elezione di papa Pio VI. Questo ritratto di Roma, nel festeggiamento per un nuovo papa, ci ha condotto a scegliere, tra la vasta produzione di Bernini, solo le sculture dedicate ai tre pontefici, che ha conosciuto l’artista. Il primo a sinistra è l’austero Papa Clemente X; il secondo busto marmoreo al centro è Papa Paolo V; il terzo è Papa Gregorio XV. Da notare che questi due ultimi pontefici vestono i tradizionali paramenti pontifici. Lo spesso piviale che gli ricoprono le spalle è decorato con l’immagine dell’apostolo Pietro (con in mano le chiavi e un libro). Gian Lorenzo Bernini (1598–1680).

Antonio Canova (1757 - 1822), pittore e scultore veneziano, è uno dei principali rappresentanti della scultura neoclassica. Incoraggiato dal nonno, ha iniziato la sua formazione artistica molto giovane, fino ad arrivare a essere considerato il miglior scultore d’Europa dall’epoca di Bernini. Il nostro collage si incentra su una delle opere più monumentali dell’artista: il monumento funebre di Maria Cristina d’Austria, che si trova nella chiesa degli Agostiniani di Vienna, viene realizzato da Canova durante due soggiorni in Austria, nel 1798 e nel 1805. L’opera gli viene commissionata dal principe Alberto di Sassonia, marito della defunta figlia dell’imperatrice Maria Teresa. A sinistra abbiamo posto in primo piano la figura di Maddalena che Canova scolpì nel 1796; il marmo fu esposto a Parigi e venne definito "miracoloso" per la sua bellezza. La donna appare in atto di contrizione, il suo volto sembra "piangere lacrime vere e ispira un sentimento di indefinito religioso dolore, in sintonia quindi con il contesto della composizione funebre.

“Tra le antiche civiltà è senza dubbio quella egiziana che ha avuto una più alta idea umanitaria: uguaglianza nella giustizia, diritti alle donne e ai bambini, diritti agli schiavi, assistenza dovuta ai più miseri. Nel mondo greco-romano, il povero è considerato un danno per la città e per l’umanità. Per quel che concerne il concetto di carità, il buddismo ha un posto particolare fra le grandi religioni non cristiane. La compassione fa uscire dall’egoismo, che chiude gli occhi sulla sofferenza del mondo.” L’attualità che ancora oggi è più che mai presente nel mondo moderno, l’abbiamo rappresentata nel nostro collage con lo sfondo di una strada metropolitana, con un muro coperto da graffiti dove si appoggiano due mendicanti, uno dei quali, quello seduto, con i tratti somatici che ricordano la figura di Gesù. I due sono stati ritratti dallo scultore polacco Jan Wnek nella metà del XIX secolo. A sinistra assiste pietosa alla scena “Virgen de la Soledad”, una statuetta intagliata nel legno e dipinta da un artista dell’America Latina nel XVIII secolo.

Camille Claudel (1863 – 1943), sorella del celebre scrittore francese Paul Claudel, Camille è uno di quei nomi femminili della storia dell'arte vittime di un'epoca incapace di accettare il suo talento. Grazie a studi recenti, il ruolo di Camille Claudel nella scultura tra Ottocento e Novecento è stato finalmente studiato e messo nella giusta luce. Per molto tempo, tuttavia, la sua arte è stata sottovalutata e messa in ombra dalla forte personalità di Auguste Rodin, l'altro grande scultore francese. Camille aveva vent'anni e Auguste quarantaquattro, quando la giovane artista si trasferì come collaboratrice nell'atelier di Rodin al 182 di rue de l'Université. Sebbene lo scultore fosse sposato e avesse ventiquattro anni più di lei, i due si innamorarono e iniziarono una relazione travolgente e, come vedremo, tragica. Rodin la vedeva come una musa: era la sua modella ma anche la sua studentessa più talentuosa, determinata e appassionata. Il fatto che Claudel non fosse sposata, anzi, che si fosse legata a un uomo impegnato fu un grande scandalo. Claudel fu tradita dalla sua stessa famiglia che, non tollerando la sua vita libera e anticonformista, la fece internare nel manicomio di Montfavet, nonostante i dubbi dei medici che non riconoscevano a Camille particolari problemi mentali.

Grazie alla sua malleabilità a contatto con l'acqua, l'argilla è elastica e facilmente manipolabile. Quando si asciuga, perde irreversibilmente la sua duttilità e diventa solida e compatta. Questa caratteristica e molte altre qualità hanno reso l'argilla un materiale senza tempo. Legata a doppio filo all'evoluzione delle civiltà, l'argilla ci ha raccontato la nostra storia fin dai tempi dei Sumeri che furono tra i primi a comprendere le potenzialità della lavorazione di questo materiale. L'uomo ha realizzato di tutto con l'argilla, dai mattoni per costruire le case, agli utensili, alle sculture. Sono tante le testimonianze storiche giunte fino a noi dall'antichità che hanno aiutato storici e antropologi a ricostruire il nostro passato. L'uomo del XXI secolo continua a realizzare vasi, mattoni e sculture in argilla, ma è riuscito anche a utilizzare questo minerale in campo tecnico e industriale grazie alle sue virtù. Tra i suoi molteplici utilizzi, l'argilla viene regolarmente impiegata nella bonifica dei terreni come agente anti- inquinamento.

Per illustrare il nostro collage abbiamo inserito il bassorilievo scolpito dallo spagnolo Diego Rodriguez nel 1555: Tentazioni di Sant'Antonio Abate. La tentazione è rappresentata (in basso a destra) con la donna nuda seduta, un particolare del celebre dipinto dell'italiano Tintoretto dello stesso 1555: “Susanna e i vecchioni”, conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna. Negli ultimi decenni, gli scandali sessuali all'interno della Chiesa cattolica sono stati ricondotti all'obbligo del celibato: un sacerdote deve essere celibe, il che significa che deve vivere in totale castità, non solo astenendosi da qualsiasi rapporto sessuale, ma anche mantenendo un cuore puro, un cuore libero anche emotivamente, perché è consacrato al Signore. Nella sua enciclica sul celibato sacerdotale, papa Paolo VI ha ribadito la necessità del celibato ecclesiastico.

Quando consideriamo la scultura, tridimensionale per sua natura, il cubismo rimane uno stile formale puro, geometrico, essenziale, quasi primitivo: come nella testa del poeta americano Ezra Pound, scolpita nel 1914 dal francese Henri Gaudier-Brzeska (in basso a sinistra). Il poeta è stato uno dei protagonisti del modernismo e della poesia dei primi del Novecento. Il suo carattere ostinato, taciturno e impenetrabile è ben rappresentato dallo stile cubista del marmo con cui è stato ritratto. Al centro, in un suggestivo bronzo verde, abbiamo il nostro secondo esempio di scultura cubista: "Donne con un divertimento" dell'artista ucraino Oleksandr Archhypenko realizzata nel 1914. Oleksandr studia scultura a Kiev e Mosca; nel 1908 si trasferisce a Parigi e il suo stile, profondamente influenzato dai cubisti, si struttura in un'alternanza di vuoti e pieni, concavi e convessi, linee rette e oblique. Tra il 1913 e il 1923 apre scuole d'arte a Berlino e poi a New York, dove insegna arte per il resto della sua vita.

Donatello (1386 - 1466), il più grande scultore italiano del primo Rinascimento, è uno dei più celebri scultori di tutti i tempi. La Madonna di marmo bianco con la dolce espressione accanto al Bambino, è conosciuta come Madonna Pazzi, datata 1420. Sembra che il nome sia dovuto al fatto che questo bellissimo bassorilievo sia stato rinvenuto nel Palazzo Pazzi a Firenze. La famigli a Pazzi era una delle più potenti e nobili famiglie di banchieri fiorentini, nemici acerrimi dei Medici. La seconda Madonna con Bambino in terracotta dipinta del 1450 fu commissionata allo scultore da un’altra famiglia di banchieri e mercanti che operavano tra Milano, Padova e Venezia , i Borromeo. A sinistra c’è il celebre David, rappresentato da Donatello subito dopo l’uccisione di Golia; in piedi, totalmente nudo, a parte i calzari ed un cappello a falda larga. La mano sinistra poggia sul fianco tenendo un sasso, mentre il braccio destro è lungo il corpo e la mano stringe l’elsa di una spada. Il piede sinistro è poggiato sopra la testa mozzata di Golia, alla base dell’opera.

In occasione della Giornata internazionale della donna, Papa Francesco fece un discorso sulla figura femminile e spiegò lucidamente le prerogative che le donne posseggono: «La donna giunge al culmine della creazione, come il riassunto dell’intero creato. Infatti racchiude in sé il fine del creato stesso: la generazione e la custodia della vita, la comunione con tutto, il prendersi cura di tutto. La donna mostra che il senso del vivere non è continuare a produrre cose, ma prendere a cuore le cose che ci sono. Quante volte il corpo della donna viene sacrificato sugli altari profani della pubblicità, del guadagno, della pornografia, sfruttato come superficie da usare. Il corpo va dunque liberato dal consumismo, va rispettato e onorato.»

La nostra scelta di collocare la fotografia Powerhouse Mechanic del fotografo americano Lewis Hine, scattata nel 1922, al centro del collage è emblematica, in quanto onora il duro lavoro dei lavoratori che si sono sforzati per contribuire allo sviluppo industriale. Lewis Wickes Hine (1874 - 1940) è stato un sociologo e fotografo americano che ha utilizzato la sua macchina fotografica come strumento per promuovere la riforma sociale, in particolare nell'ambito dello sfruttamento del lavoro minorile. "Il ferro è duro, ma il fuoco lo rende morbido" è un antico proverbio tramandato di generazione in generazione. Questo detto si riferisce chiaramente alle proprietà del ferro: forte, resistente e non facilmente piegabile, ma in grado di essere forgiato con facilità se esposto al fuoco ad alte temperature e poi martellato e pressato. È il metodo più antico di lavorazione del ferro, eseguito manualmente per secoli in piccole officine utilizzando una fornace per riscaldare il ferro, un'incudine e vari utensili per martellare e modellare il metallo in diversi oggetti funzionali.

Gli artisti dell'espressionismo tedesco, uno dei movimenti artistici più rivoluzionari di tutti i tempi, erano spinti dal desiderio di ribellarsi alle convenzioni del periodo e ispirati da temi legati alla filosofia, alla vita interiore, alle emozioni primordiali e alla sessualità. L'enfasi sulla disillusione e l'irrequietezza appena nascosta della società tedesca divennero centrali nell'espressionismo tedesco e la sua rappresentazione attraverso forme insolite e colori vividi divenne il suo segno distintivo. Per la prima volta, grazie a questo movimento, psiche, spiritualità e misticismo rivelarono il loro potenziale visivo attraverso opere che sono diventate simboli dell'era moderna. Questi artisti lavorarono subito dopo la prima guerra mondiale e divennero la voce della disillusione dell'epoca e delle profonde ansie dell'umanità moderna. L'innovazione al centro di questo movimento influenzò anche il cinema, il teatro e la letteratura, contribuendo a ridefinire una nuova sensibilità artistica e culturale.

Il nostro collage è dedicato al tema delle nozze con tre opere artistiche diverse tra loro per epoca, stile e artisti che le hanno realizzate. Parliamo di quella che ci sembra la più classica: il "Sarcofago degli Sposi”; capolavoro dell'arte etrusca risalente al 530-520 a.C. rinvenuto a Cerveteri, città a nord-ovest di Roma, in un complesso di necropoli, un tempo parte di una città etrusca. Ricomposto da circa 400 frammenti, il Sarcofago degli Sposi è un'urna destinata ad accogliere i resti materiali del defunto. L'opera rappresenta una coppia di sposi distesi con il busto sollevato nella tipica posizione del banchetto, con l'uomo che mette un braccio intorno alle spalle della donna; la disposizione delle mani e delle dita suggerisce la presenza originaria di oggetti oggi perduti, forse una coppa per bere il vino o un piccolo vaso da cui attingere prezioso profumo. Un'importante innovazione, rispetto al costume greco, è la presenza della donna accanto all'uomo in una posizione completamente paritaria. Con l'eleganza del suo abbigliamento e l'imperiosità dei suoi gesti, la figura femminile sembra dominare la scena, catturando tutta la nostra attenzione e ammirazione.

Il Pensatore fu inizialmente concepito dallo scultore francese, Auguste Rodin, come il ritratto di un poeta. La sua nudità, tuttavia, lo ha contrassegnato come l'incarnazione universale di ogni poeta, ogni creatore che trae nuova vita dall'immaginazione. Il Pensatore di Rodin esiste oggi in molti calchi e dimensioni. Se ne conoscono più di cinquanta di queste dimensioni, ovvero le dimensioni del modello originale in argilla fatto a mano di Rodin. Nel nostro collage, la presenza delle mani sono dovute al fatto che una cosa che affascinava particolarmente Rodin erano le mani; mani che gesticolano, studi di mani che pulsavano di vita. Per Rodin, le mani comunicano con la stessa forza del volto umano. Realizzato in bronzo, a primo impatto quest’uomo nudo così preso dalle sue elucubrazioni appare come il ritratto di un eroe o di una divinità classica e, probabilmente per questo motivo, la scultura è da sempre ispirazione per scrittori e artisti. Secondo alcune ipotesi, “Il Pensatore” in realtà raffiguri Dante Alighieri, il sommo tra tutti i poeti, che si sono confrontati con il mistero dell’esistenza.

Michelangelo Buonarroti (1475 - 1564) non è soltanto uno degli scultori più famosi della storia, è stato anche un grande pittore e architetto. Dopo aver convinto il padre di essere destinato a fare l’artista, ha iniziato a dipingere nella bottega di Domenico Ghirlandaio e, più tardi, a scolpire nel Giardino di San Marco, accademia d’arte voluta da Lorenzo de Medici, detto il Magnifico. Personalità tanto geniale quanto irrequieta, il suo nome è legato ad alcune delle più maestose opere dell'arte occidentale, fra cui si annoverano il David, il Mosè, la Pietà del Vaticano, la Cupola di San Pietro e il ciclo di affreschi nella Cappella Sistina, tutti considerati traguardi eccezionali dell'ingegno creativo. Per il nostro collage, tributo al grande scultore toscano, abbiamo scelto: per il fondo, il modello in legno preparato dall’artista nel 1518 per la facciata di San Lorenzo in Roma. A cui abbiamo posto, in primo piano a sinistra, la statua di Mosé (una fedele replica in terracotta dell’originale). Al centro “The Genie of Victory”, un'allegoria del 1534 della Vittoria; a destra il bronzo (in quanto l’originale in marmo non è sopravvissuto) di Sansone che sconfigge i filistei.

La Pietà di Michelangelo è un capolavoro della scultura rinascimentale. Realizzata tra il 1497 e il 1499, è l'unica opera firmata dall'artista. Attualmente si trova nella Basilica di San Pietro in Vaticano. L'opera è scolpita in un unico blocco di marmo bianco di Carrara, caratterizzato da una levigatura e una finitura eccezionali. La Madonna ha un volto giovane, quasi adolescenziale, che non mostra i segni della vecchiaia. Questo simboleggia la sua purezza e verginità perpetua, oltre a incarnare il simbolo della vita eterna. Il suo volto esprime un dolore assorto e dignitoso, non disperazione. Mentre il corpo di Gesù è scolpito con un'anatomia impeccabile e realistica, che ne evidenzia la sofferenza, pur mantenendo compostezza e grazia. La Pietà è considerata un'espressione dell'ideale di perfezione dell'artista, capace di trasformare il dolore umano in contemplazione spirituale, fatta di silenzio e pace.

Bertel Thorvaldsen (1770–1844) è stato uno scultore danese e una figura di spicco dell'arte europea del XIX secolo, rappresentante del Neoclassicismo e principale rivale di Canova. Lavorò principalmente a Roma, sua patria artistica adottiva. La sua fama tra i contemporanei fu immensa, pari a quella di Canova, Il nostro collage si concentra su questi ultimi, in particolare quelli ispirati al mito greco di Ganimede. Ganimede era un principe che il dio Zeus, sotto forma di aquila, portò sul Monte Olimpo per fungere da coppiere degli dei. Thorvaldsen scolpì diverse versioni di Ganimede, riconoscibili dal suo copricapo, che sono incluse nel nostro collage: quella con l'aquila risale al 1817; Quella con la brocca sollevata sopra la testa fu realizzata nel 1816; e una versione precedente del 1804 raffigura Ganimede con in mano solo una coppa. Per completare la collezione, si possono ammirare anche: la coppia Amore e Psiche del 1807; due versioni di Ebe (la dea greca della giovinezza, figlia di Zeus ed Era); e, sullo sfondo, il dio del vino, il romano Bacco (noto come Dioniso per i Greci), datato 1804. Thorvaldsen fu onorato con la costruzione del primo museo mai dedicato a un artista vivente, situato nella sua città natale, Copenaghen.

Auguste Rodin. Un grande scultore al tempo di un grande pittore, Monet. Entrambi nacquero a Parigi nel 1840. Rodin scelse di ispirarsi a Michelangelo. Buonarroti, infatti, fu per lui una rivelazione, una scoperta che cambiò per sempre il suo modo di concepire l'arte, passando da un linguaggio classico a uno più espressivo e immediato, creando capolavori di innovazione dirompente. Auguste Rodin fu molto più di uno scultore, fu anche appassionato di pittura e fotografia, e un grande collezionista. Senso e piena aderenza alla realtà saranno sempre i prerequisiti dell'opera di Rodin, poiché, come scrisse: "Quando l'artista attenua le smorfie del dolore, lo sfregio della vecchiaia, l'orrore della perversità, quando si adatta alla Natura, quando la maschera, la traveste, la mitiga per compiacere il pubblico ignorante, produce bruttezza, ha paura della verità."

Medardo Rosso (1858-1928), il maggiore scultore italiano del suo tempo. Personalità complessa e ribelle, più noto a Parigi, dove risiede per anni, che in patria, sperimenta e anticipa nuovi linguaggi espressivi. Al centro del nostro collage abbiamo l’opera “The Golden Age” del 1887, una delle tre versioni che Medardo Rosso dedica al doppio ritratto della moglie Giuditta Pozzi col figlio Francesco, in cui l’artista inizia a plasmare le sue sculture con la cera, materiale che in Italia non aveva precedenti. “In quest’opera Medardo Rosso ripropone il tema della madre che bacia il bambino, ma invece di creare una scultura a tuttotondo, sceglie di modellare solo la parte anteriore, tralasciando il retro e concentrandosi sulla superficie. La soluzione dei due volti, che si fondono uno nell’altro, accentua l’intensità della relazione tra la madre e il figlio.” (museivaticani.va) Completano il collage a sinistra “Sick Child”, datato 1893, e il ritratto, datato 1895, di Yvette Guilbert, cantante, attrice e scrittrice francese; di grande successo soprattutto durante la Belle Époque.

L’immagine della Pietà, una delle più riproposte nell’arte, ha ispirato tanti artisti a produrre opere di grande intensità. Quest’immagine nasce in ambito tedesco per ricordare la sera della deposizione di Cristo dalla croce per poi essere sepolto. Inizialmente si trattava soprattutto di sculture realizzate con il legno (nel collage l’immagine grande a sinistra) dove veniva raffigurata la Vergine Maria che sosteneva sulle gambe il corpo esangue e magrissimo del figlio Gesù. Al legno si sostituiranno successivamente altri materiali come la terracotta (l’immagine in fondo a destra) che proviene da un’artigiano austriaco dell’inizio del 1400. Nel XV secolo in Europa queste immagini del Vespro acquisiscono il nome di Pietà e vengono realizzate soprattutto in opere pittoriche anziché scultoree, come il dipinto a destra, dell’artista polacco Warsztat Krakowski, datato 1450.

Ganimede era un giovane che il poeta Omero descrive come il più bello tra tutti; così bello che persino Zeus se ne innamorò e lo desiderò; un giorno, mentre Ganimede pascolava con il suo gregge sul monte Ida, Zeus mandò la sua aquila divina a rapirlo o, in altre versioni del mito, assunse lui stesso le sembianze di un'aquila, per portarlo con sé sull’Olimpo. Il mito di Ganimede, cantato oltre che da Omero, da Pindaro e Ovidio, divenne presto molto popolare in Grecia e poi a Roma, perché la relazione amorosa tra un uomo adulto e un ragazzo non suscitava scandalo. Nel nostro collage, Ganimede offre da bere all'aquila nella splendida scultura dell'artista danese Bertel Thorvaldsen datata 1817. A destra, l'uomo che alza la mano per avvertire Ganimede dell'imminente pericolo, è un'opera di fine Ottocento di un altro grande scultore: il francese August Rodin, considerato il progenitore della scultura moderna.