Animal Presences

Prima del XIX secolo, cani e gatti erano presenti nei dipinti, ma raramente come soggetti principali. Pittori come Landseer e Dollman sono riusciti a spostare la percezione che avevano degli animali da semplici bestie a esseri con pensieri ed emozioni. La modella nuda del nostro collage è Léontine Renaude, l'amante del pittore francese Gustave Courbet. Il tono erotico è creato dal legame diretto tra la donna e il suo cane. L'affetto mostrato per l'animale è una metafora dell'amore sensuale per l'amante, l’autore del ritratto, complice della scena. L’opera, da cui sono tratte le due figure è datata, 1868. Un pittore poco noto, una razza canina estinta, un dipinto di grande fascino: è il bellissimo cane sulla destra del collage, opera dell'artista inglese James Webbe, un White English Terrier, razza ufficiale all'inizio degli anni '60 del diciannovesimo secolo che era diventata popolare come cane da esposizione. Nota per la sua vigilanza, la razza si estinse rapidamente dopo il 1895, quando il taglio delle orecchie fu proibito e l'interesse per la razza diminuì. "Il cane possiede bellezza senza vanità. Forza senza insolenza. Coraggio senza ferocia. E tutte le virtù dell'uomo senza i suoi vizi." (Lord Byron)

“Gli ambasciatori sono spie piazzate per origliare nelle anticamere di quei potenti che si dicono amici.” (Alessandro Manzoni) Il ritratto di John Habersham, che abbiamo scelto per il nostro collage, ora esposto alla National Gallery of Art, è un’opera datata 1772 di Jeremiah Theus, un pittore americano di origine svizzera, noto principalmente per la sua abilità nel dipingere ritratti. Fu attivo principalmente nei dintorni di Charleston, nella Carolina del Sud, una città in cui rimase quasi senza concorrenza per gran parte della sua carriera. A destra del collage si vede una sensuale ragazza danzare, coperta da veli trasparenti che lasciano intravedere le sue forme generose. E’ la rappresentazione del vizio come la dipinse Annibale Carracci nel 1595. Quindi John sembra guardarci indeciso tra lasciarsi sedurre dal vizio o aggrapparsi alla virtù, rappresentata dall'anziana donna accanto a lui... Prevarrà il vizio dell’uomo o la virtù dell’ambasciatore? Forse la risposta sta nell’ingombrante presenza della giraffa, che è l’unico mammifero ad avere il cuore lontano dal cervello; così un valido ambasciatore deve decidere razionalmente, rimanendo sempre distante dalle emozioni.

Il disturbo bipolare è un disturbo psichiatrico complesso, ad alta ereditarietà, con decorso cronico. E’ caratterizzato dalla presenza di periodi di depressione profonda e prolungata alternati a periodi di umore eccessivamente euforico o irritabile. Le fasi depressive tendono a durare più a lungo, mentre le fasi eccessive e maniacali durano meno (da una settimana a poco più di un mese). La transizione tra queste due fasi può essere relativamente lunga, consentendo al paziente un periodo di benessere, oppure può essere improvvisa e repentina. Venendo al collage, la malinconica dama ritratta sulla destra, vestita di bianco, è un'opera di Élisabeth Vigée Le Brun, una delle pittrici più ricercate e apprezzate in Francia; non solo, una donna capace di costruire da sola il proprio successo in una società gestita quasi interamente da uomini. I due medaglioni che si vedono appesi in cima alle colonne riproducono rispettivamente i volti di Isabella d'Este e Lucrezia Borgia. Altre due vere "première dames", famose e potenti, del Rinascimento italiano. La presenza delle galline non è casuale. Le galline infatti, se costrette in spazi angusti e promiscui, entrano in una condizione di stress che ne indebolisce il sistema immunitario, esponendole al rischio di contrarre malattie potenzialmente letali. La similitudine con la condizione esistenziale e psicologica umana ci induce a trarne le conseguenze.

Il collezionista di farfalle è un paradosso vivente munito di retino: un uomo che adora la bellezza a tal punto da volerla letteralmente fermare nel tempo, solitamente con uno spillo d’acciaio e un’insolita dose di spietatezza estetica. Per lui, la felicità non è un battito d’ali, ma una simmetria perfetta; non è il profumo dei fiori, ma l’odore pungente della canfora. Mentre il resto dell’umanità guarda una farfalla e pensa alla libertà, il collezionista la guarda e pensa alla tassonomia, calcolando con precisione millimetrica l’angolo di apertura delle ali affinché il mondo intero possa ammirare quanto sia splendida la natura... una volta che è stata messa in riga e privata del respiro!

Affettuosi, giocherelloni, pigri, vivaci, i gatti sanno sorprenderci per le tante sfumature del loro carattere, frutto anche delle esperienze e del rapporto con il padrone. E anche il padrone, un po' come un genitore, può essere più o meno autoritario e protettivo. Uno studio sul comportamento umano, condotto dall'Università di Exeter nel Regno Unito, ha studiato il carattere di chi possiede un gatto e ha individuato che esistono tre grandi categorie di proprietari di gatti: dai preoccupati ai coscienziosi, ai tolleranti osservatori di qualsiasi comportamento. Il nostro collage raffigura 4 donne, tratte da un dipinto dell'artista svizzero Ferdinand Hodler del 1907, che posano per il pittore con i loro quattro graziosi felini. In ordine di apparizione da sinistra c'è il gatto dagli occhi gialli ritratto nel 1909 da un altro svizzero, Alexandre Steinlen. Sotto abbiamo un esemplare bianco e nero dell'artista Henriëtte Ronner del 1870. La gemella al suo fianco, vestita anche lei di blu, tiene tra le braccia un bellissimo gatto dal pelo rosso, dipinto dall'italiano Annibale Carracci nel 1588. Infine l’ultimo micio, sempre ritratto da Steinlen nel 1909. "Non si possiede mai un gatto. Semmai si è ammessi alla sua vita, il che è senz’altro un privilegio. (Beryl Reid)

Eugène Delacroix (1798 - 1863) è uno dei massimi esponenti della pittura romantica francese. “La prima qualità di un dipinto è di essere una gioia per gli occhi”. Queste le parole che l’artista ripeteva spesso. Il nostro collage mette in risalto lo splendido cavallo bianco ritratto nel 1829 da Delacroix nel celebre dipinto intitolato: "Cavallo spaventato dal fulmine". Il dipinto incarna tutto ciò che il cavallo rappresentava agli occhi dei romantici: forza, nobiltà, libertà e passione selvaggia. Ma questo animale, che è stato rappresentato dall'uomo attraverso tutte le fasi evolutive, dalle figure rupestri alle avanguardie del ‘900, sembra oggi non interessarci più. Dopo millenni assistiamo al suo declino anche nel mondo dell'arte. Dopo le avanguardie, con Picasso, dopo le numerose opere profondamente espressioniste di Franz Marc, dopo Kandiski, dopo Boccioni, l'arte contemporanea oscillerà alternativamente tra l'ispirazione classica e mitologica e la trasfigurazione della figura del cavallo, fino a negarla completamente. “Forse è il segno che un'intera epoca è finita ed è la dimostrazione del distacco della cultura contemporanea, ormai monopolizzata dalla tecnologia, dalla bellezza del mondo naturale." (Doina Ene) “La maggior parte della gente, impazzisce per le auto... e quando ne comprano una, pensano già di "darla dentro" per una ancor più nuova. A me non piacciono neanche le auto. Preferisco un cavallo, perlomeno è umano”. (J.D. Salinger)

L'artista italiano Fortunato Depero (1892 - 1960), allievo di Giacomo Balla, scrisse con lui un celebre manifesto, "Ricostruzione futurista dell'universo", pubblicato l'11 marzo 1915, nelle cui pagine elogia un mondo pieno di gioia, molto colorato e molto luminoso, con materiali dai colori vivaci, congegni meccanici e musicali e liquidi luminosi. I due artisti anticiparono di qualche decennio esperienze tipiche della Pop-Art e dell'Arte Povera. Molta attenzione è data anche ai giocattoli futuristici (grazie ai quali anche gli adulti potranno mantenersi giovani e allegri); così come alla moda, all'architettura, alla pubblicità e alla musica”. (Roberto Roberti)

Il collage, a cui fa da cornice un folto numero di cani di tutte le fogge, pone al centro il dipinto “Isabella”, un’opera di Sir John Everett Millais del 1848, in stile preraffaellita, della pittura vittoriana, che nacque, si sviluppò e si esaurì nel Regno Unito. "Isabella" fu esposta per la prima volta alla Royal Academy nel 1849, ed è ora nella collezione della Walker Art Gallery a Liverpool. Il dipinto illustra liberamente un episodio del romanzo Decameron di Giovanni Boccaccio: un pranzo tra un gruppo di persone che descrive la relazione tra Isabella, la sorella di ricchi mercanti medievali, e Lorenzo, un povero dipendente dei fratelli di Isabella. Si può vedere il momento in cui i fratelli di Isabella si rendono conto che c'è una storia d'amore tra i due giovani e complottano per uccidere Lorenzo in modo da poter far sposare Isabella a un ricco nobile. Isabella, vestita di grigio sulla destra, riceve un'arancia rossa su un piatto dal condannato Lorenzo. Nel racconto boccaccesco, l’arancia rossa tagliata simboleggia il collo di qualcuno che è stato appena decapitato; quello che farà Isabella che taglierà la testa di Lorenzo per portarla con sé dopo averlo trovato morto e sepolto. Tornando al dipinto vediamo uno dei suoi crudeli fratelli prendere a calci un levriero spaventato protetto amorevolmente da Isabella. Nella storia dell'arte l’immagine del cane ha assunto significati contrastanti, anche se in genere rappresenta la fedeltà. Già Plinio il Vecchio scriveva che, insieme al cavallo, questo animale è il compagno più fedele che un uomo possa avere.

Il grigio, un colore che la psicologia del colore giudica non avere capacità di stimolare la mente, in quanto simboleggia l'immobilità; esteticamente il grigio rappresenta un'eleganza discreta e nostalgica, come nella foto d'epoca della giovane coppia a sinistra. La signora (sulla destra) che ammira il nostro collage: è il "Ritratto della madre dell'artista" dell’americano James Whistler, datato 1871, che inizialmente si intitolava "Composizione in grigio e nero". Il dipinto, acquistato dallo Stato francese nel 1891, è oggi una delle opere più note di un artista americano al di fuori degli Stati Uniti.

“La parola italiana "donna" è una parola che sfugge a ogni definizione. Scivola abilmente tra etichette e pregiudizi; "donna" è l'italianizzazione di "domina", che significa signora o padrona. In spagnolo, è "mujer", che letteralmente significa moglie. "Chica", che suona più amichevole, ci rappresenta come bambine, ragazze, bambole o domestiche. In francese, possiamo apprezzare il nostro lato carnale con "femme", un termine che si scioglie sulle labbra, così sensuale, eppure ci riconosce letteralmente solo come un fatto biologico”. (Tina Esse) L’immaginario che vede l’essere femminile debole, da proteggere e che necessita di una figura forte e autoritaria accanto a sé è un retaggio culturale ormai anacronistico per gli esseri umani, e irrealistico per molte specie del mondo animale. Esaminiamo gli esempi di alcune speci animali in cui le femmine comandano con forza e saggezza i loro gruppi: tra i leoni sono le femmine a cacciare, a crescere i cuccioli e a decidere se un maschio può restare o deve andarsene dal gruppo. Anche tra gli elefanti il comando è femminile, in particolare alle femmine più anziane in virtù della loro esperienza di vita. Le iene femmine sono più grandi e forti dei maschi. Questi ultimi hanno il compito di cacciare per il branco, ma sono le femmine a mangiare per prime. Le orche sono maestosi mammiferi marini che gestiscono la loro vita sociale con un totale matriarcato. A capo della gerarchia si trova di solito una femmina adulta e madre, ma a volte la leadership può essere condivisa da un gruppo di femmine.

Questo collage è ispirato al celebre dipinto "Magic Fish" del 1925, creato dallo svizzero Paul Klee, che fu uno dei massimi esponenti del movimento artistico astratto nei primi anni del XX secolo. Artista poliedrico, si è cimentato con successo in diverse discipline, fino a trovare la sua vera espressione nella pittura. Klee è cresciuto in un ambiente in cui la musica era onnipresente: non è un caso che considerasse i suoi dipinti come una composizione musicale, e il pesce è una delle immagini preferite dall'artista per la meditazione intellettuale.

Frida Kahlo nacque il 6 luglio 1907 a Coyoacán, un sobborgo di Città del Messico. Visse un'infanzia segnata da problemi di salute e da un grave incidente all'età di 18 anni, che le causò gravi ferite e un dolore cronico per il resto della sua breve vita, terminata nel 1954. L'artista usava spesso dipingere immagini della natura, come fiori, frutti e animali, per esprimere concetti di vita, morte, rinascita e metamorfosi. Frida era profondamente radicata nella cultura messicana e nella sua tradizione artistica, incorporando motivi e simboli messicani nelle sue opere naïf dai colori vivaci.

Spinti dal desiderio di ribellarsi alle convenzioni del periodo e ispirati da temi legati alla filosofia, alla vita interiore, alle emozioni primordiali e alla sessualità, gli artisti che definirono l'espressionismo tedesco furono i primi a usare il colore in modo spontaneo e istintivo. Questi artisti lavorarono dopo la fine della prima guerra mondiale e divennero la voce della disillusione dell'epoca e delle profonde ansie dell'umanità moderna. Il tratto “pessimistico” di questo movimento influenzò anche il cinema, il teatro e la letteratura, contribuendo a ridefinire una nuova sensibilità artistica e culturale.

La persona con un'espressione seria è circondata da una scimmia, un cane e una figura astratta su uno sfondo complesso e colorato. Motivi intricati e colori vivaci conferiscono profondità e interesse alla scena. La cornice in legno aggiunge un tocco rustico, completando gli elementi naturali all'interno della composizione. E’ l’autoritratto, datato 1945, dell’artista messicana Frida Kahlo, circondata dai suoi amici animali, che lei considera come le uniche creature sincere, capaci di infondere pace e serenità nella sua vita tormentata.

Nel nostro museo virtuale, possiamo vedere in primo piano un cavaliere che tiene le redini di una bellissima cavalla. È "Molly Longlegs", una campionessa da corsa. Il ritratto del 1761 è opera di George Stubbs, l'artista che divenne famoso per i suoi quadri di cavalli. Dipinse anche il secondo ritratto, sulla destra, della contessa di Coningsby in sella al suo destriero. Dietro di loro, due appesi alla parete di fondo e uno sul pavimento in attesa di essere appeso, ci sono tre quadri con scene d’ippica, dipinti dal francese Edgar Degas alla fine del 1880.

Gli antichi Greci credevano che le Amazzoni fossero mitiche donne guerriere che, nella regione attorno al Mar Nero, vivevano in una società matriarcale dopo aver ucciso o allontanato i loro uomini, dai quali erano state per troppo tempo maltrattate. Furono però sconfitte da Ercole che, nell’affrontare la nona tra le sue famose 12 fatiche, doveva impossessarsi della cintura di Ippolita, simbolo della regina amazzone. Ercole affrontò la sfida radunando un esercito dei migliori cavalieri della Grecia, tra cui l'eroe Teseo. Le Amazzoni non riuscirono a resistere a una forza così formidabile; così Ercole riuscì a prendere la cintura.

I composti allucinogeni presenti in alcune piante e funghi (o nei loro estratti) sono stati usati nei rituali religiosi per secoli. Le sostanze allucinogene sono capaci di indurre stati alterati di coscienza, visioni, talvolta accompagnate dalla sensazione di arrivare al mistico, alla rivelazione, all'illuminazione, all’estasi. Queste droghe psicoattive sono state anche definite psichedeliche (capaci di rivelare la mente) o talvolta enteogene (che favoriscono esperienze mistiche).

Nella storia dell’arte non ci sono molte opere di questo racconto del Vecchio Testamento, antecedente alla nascita di Gesù; perché la diffusione del cristianesimo attraverso gli affreschi nelle chiese si concentrò sulle vita del Cristo e dei suoi discepoli, secondo i Vangeli. Per il nostro collage abbiamo utilizzato il ritratto di Mosè dipinto dall’italiano Giovan Battista Gaulli, detto il Baciccia, nel 1700. Quanto all’arca, si tratta di un’opera dell’artista francese Simon de Mailhy, datato 1570; mentre la fila di animali in basso ai piedi del profeta sono stati dipinti dal pittore folk americano Edward Hicks nel 1846.

Il francese Henri Rousseau (1844 - 1910), uno dei pittori più originali dei primi anni del XIX e XX secolo, è considerato un precursore della cosiddetta pittura naif. Fu senza dubbio un autodidatta dotato e, allo stesso tempo, aveva una straordinaria immaginazione. La semplicità di Henri Rousseau, a volte al limite dell'ingenuità nel dipingere la fauna e la flora della foresta, è stata il tema di 25 dipinti da lui realizzati, che sono ancora oggi molto popolari. Famosa è la frase di Picasso sul pittore autodidatta: "Henri ha lavorato duramente per tutta la vita per imparare a dipingere come un bambino".

Il pittore di inizio Novecento Carl Kahler definì i gatti "gli amanti della moglie”. Gli Egizi li adoravano come divinità, li imbalsamavano alla loro morte e soprattutto li rappresentavano con bellissime sculture. Due di queste sono al centro del nostro collage. Per i Greci e i Romani, invece, il gatto non aveva un significato sacro e veniva quindi raffigurato in modo meno solenne e più naturale. Nei secoli successivi il gatto non sarà mai protagonista di un dipinto. Solo nel XIX secolo il gatto divenne definitivamente l'unico soggetto del dipinto. Non come animale sacro o simbolico, ma per la sua eleganza mista a tenerezza, come quello dipinto da Pierre-Auguste Renoir che dorme felice tra le braccia della sua amante (a sinistra del collage). Al centro del collage, c'è il signor Henry Sturgis Drinker, ingegnere, avvocato, scrittore e quinto presidente della Lehigh University, che accarezza amorevolmente il suo gatto. Il ritratto fu dipinto nel 1898 da Cecilia Beaux, la pittrice americana che fu un'autorevole esponente dell'impressionismo americano. A chiudere l'immagine sulla destra c'è il celebre "Le Chat Noir" (Il gatto nero) dell'artista svizzero Alexandre Steinlen, creato per pubblicizzare l'omonimo leggendario cabaret inaugurato a Montmartre nel 1881.

L'addestramento etologico è un nuovo metodo di approccio agli animali basato sulla comunicazione. Ad esempio, il cavallo "ci parla", con i suoi movimenti, con le sue azioni, con le posizioni che assume. È, d'altro canto, il linguaggio che usa naturalmente con i suoi simili e con tutti gli altri animali, uomo compreso. Inoltre, ricordiamo che per natura il cavallo non è un animale solitario e quindi deve necessariamente comunicare con chi gli sta intorno; quindi ogni suo movimento, ogni azione e ogni posizione hanno un loro significato. Le dinamiche dell'addestramento etologico si sviluppano sulla base dell'interpretazione di questo linguaggio non verbale.

I pesci tropicali sono tra le creature più affascinanti del mondo acquatico, non solo per l'estetica mozzafiato, ma per gli incredibili adattamenti biologici sviluppati in milioni di anni di evoluzione nelle acque calde del pianeta. A differenza dei pesci delle acque temperate, spesso grigiastri per mimetizzarsi, i pesci tropicali esibiscono livree dai colori vibranti. Una delle caratteristiche più peculiari è la tendenza a creare relazioni strette con altre specie, dove il pesce riceve protezione in cambio di cibo e pulizia. I pesci tropicali non sono solo "decorativi", ma rappresentano la complessa salute dei nostri oceani.

L'ornitologia è la branca della zoologia che si occupa dello studio degli uccelli. I ricercatori che se ne occupano (gli ornitologi) analizzano: Biologia e fisiologia: come sono fatti e come funzionano i loro corpi. Comportamento: il canto, i rituali di accoppiamento e le strategie di caccia. Ecologia e migrazioni: come interagiscono con l'ambiente e i loro incredibili viaggi stagionali attraverso il globo. È una scienza fondamentale non solo per la conoscenza della fauna, ma anche per monitorare la salute degli ecosistemi, poiché gli uccelli sono spesso ottimi indicatori biologici dei cambiamenti ambientali.

Una voliera richiede un impegno particolare: è più costosa e ingombrante, la pulizia è più faticosa e monitorare la salute dei singoli esemplari diventa più complesso rispetto a una gabbia tradizionale. Inoltre, se un uccello si ammala o diventa aggressivo, catturarlo in uno spazio così grande può essere difficile. Ma è bene ricordare sempre che: "Nessun uccello vola troppo in alto se vola con le sue ali.” (William Blake). È un pensiero che sottolinea come la vera libertà non stia solo nello spazio a disposizione, ma nella capacità di esprimere la propria natura.

Ganimede, era un giovane che il poeta Omero descrive come il più bello di tutti, era figlio del re Troo, che diede il suo nome alla città di Troia. Il ragazzo, sfortunatamente, era così bello che persino Zeus si innamorò di lui e lo volle per sé; un giorno, mentre Ganimede stava pascolando con il suo gregge sul monte Ida, Zeus mandò la sua aquila divina a rapirlo o, in altre versioni del mito, assunse lui stesso le sembianze di un'aquila, per portarlo con sé sull’Olimpo. In seguito, per compensare Troo per la perdita del figlio, Zeus mandò Hermes che gli diede due splendidi cavalli divini o un ramo di vite dorato, opera di Efesto, assicurandogli che Ganimede era diventato immortale. Il mito di Ganimede, cantato, tra i tanti, da Omero, Pindaro e Ovidio, divenne ben presto molto popolare in Grecia e poi a Roma, perché la relazione amorosa tra un uomo adulto e un ragazzo non suscitava scandalo. Nel nostro collage, Ganimede offre da bere all'aquila nella bella scultura dell'artista danese Bertel Thorvaldsen del 1817. A destra, l'uomo che alza la mano per avvertire Ganimede dell'imminente pericolo, è un'opera di fine Ottocento di un altro grande scultore: il francese August Rodin, considerato il progenitore della scultura moderna.