Great Artists M-W

Sebastiano Ricci (1659/1734) è considerato uno dei principali artisti della pittura veneziana del Settecento e, proprio dall’anno 1700, dà inizio a un periodo di prolifica attività artistica dentro e fuori la città veneta. Partì per Vienna per lavorare al servizio di Giuseppe I d'Asburgo e decorare il soffitto della Galleria degli Specchi nel castello di Schönbrunn, poi a Londra per realizzare numerose opere nella residenza di Lord Burlington (ora divise tra la Royal Academy of Art e Chiswick House).

Infine, dopo un breve soggiorno a Parigi, Ricci tornò a Venezia dove concluse la sua carriera itinerante, con commissioni provenienti sia dal mondo ecclesiastico che dai nobili delle corti di tutta Europa.

Antoon Van Dyck (1599/1641) a dieci anni entrò nella bottega del di Van Baelen; e solo sette anni dopo aveva già un proprio studio. Dopo un breve soggiorno a Londra, Van Dyck trascorse un lungo periodo in Italia, che costituì un'importante fonte di apprendimento. I suoi ricordi italiani sono conservati nel "Quaderno Italiano" (British Museum, Londra), un quaderno ricco di disegni e aneddoti. Nei ritratti di questo periodo attribuì ai personaggi un emblematico significato sociale, espresso con raffinata sobrietà cromatica e attenzione ai dettagli del costume, conferendo eleganza e dignità all'aristocrazia italiana.

Il pittore, a suo agio in mezzo al ricco patriziato di banchieri e commercianti che, ben consapevoli del valore simbolico e celebrativo dei quadri, faranno a gara per farsi ritrarre dall'artista.

Il pittore francese Nicolas Poussin (1594 - 1665) trascorse gran parte della sua vita in Italia, a Roma, città che lo ispirò attraverso la conoscenza e lo studio dell'arte italiana. “Poussin trovò la sua personale vocazione artistica nella creazione di piccole tele per collezionisti privati e studiosi. Prediligeva soggetti mitologici o episodi tratti dalla letteratura classica o dalla Bibbia.

Le sue opere raffigurano personaggi che si muovono e agiscono come attori su un palcoscenico, ma congelati nel tempo, nei gesti, nel movimento e nell’espressione". (artesplorando.it) "La mia natura mi costringe a cercare e ad amare le cose ben ordinate e a fuggire la confusione, che è assolutamente la mia antitesi e la mia nemica, come la luce lo è delle tenebre”.

Il toscano Giorgio Vasari (1511/1574) è noto soprattutto per essere stato il primo storico dell'arte, una delle principali fonti di informazione sulla vita degli artisti del Rinascimento italiano. Il collage vuole rendere omaggio al pittore Vasari, partendo a sinistra dal suo autoritratto e a destra il suo mecenate Cosimo Medici. La personificazione femminile della Giustizia è rappresentata seminuda al centro; Il suo braccio teso porge una corona d'alloro alla Verità.

La Verità viene presentata alla Giustizia dal Tempo, un vecchio alato che, nel dipinto originale del 1543, regge una clessidra sulla testa. Per concludere, ricordiamo che per le biografie dei pittori rinascimentali, Vasari fu accusato di aver eccessivamente spettegolato sul comportamento degli artisti presi in esame, ma è un ingrediente, quello del gossip, che da sempre contribuisce al successo di molte biografie.

Nel suo dipinto più noto, “La Grande Jatte”, l’artista francese Georges Seurat (1859/1891) raffigurava delle persone che si rilassavano in un parco su sull’isola della Senna. L'artista lavorò al dipinto a partire dal 1884 con uno strato di piccole pennellate orizzontali di colori complementari; Successivamente aggiunse piccoli punti, anche loro in colori complementari, che appaiono come forme solide e luminose se visti da lontano.

Questa tecnica, chiamata Puntinismo, distinse la sua arte dall'approccio più istintivo alla pittura utilizzato dagli impressionisti che si stavano affermando nella Belle Epoque. Nel nostro collage abbiamo immaginato che i protagonisti principali del quadro originario, si ritrovassero in un ambiente campestre alle prime piogge autunnali.

Poesia, umorismo, riflessione, dialoghi tra realtà e sogno. Il visibile e l'invisibile, la fantasia e l’eleganza; le opere di un artista visionario: il maestro belga René Magritte (1898/1967), Magritte rimase affascinato dall'esplorazione della mente e del subconscio, come teorizzato da André Breton, padre del movimento surrealista. A Parigi, Magritte frequentò esponenti del movimento, come Breton, Salvador Dalí e Max Ernst; e sviluppò il suo stile incentrato sulla rappresentazione accurata di oggetti quotidiani, ma ambientati in contesti insoliti e sorprendenti.

La sua capacità di dipingere in modo realistico contrastava con l'irrealtà concettuale delle sue composizioni, creando un effetto alienante, inaspettato e provocatorio.

Élisabeth-Louise Vigée (1755/1842), maritata Le Brun, sebbene fosse una pittrice autodidatta, si affermò fino alla corte di Maria Antonietta, e alle sedute per i trenta ritratti che l'artista le dipinse. Nel collage, la pittrice appare a destra, la regina a sinistra nel ritratto del 1782, dove Maria Antonietta indossa un semplice abito di mussola che fece scalpore per la sua informalità. La figura nuda tra le due donne è una Baccante; un soggetto mitologico, pretesto per inserire un nudo.

Un dettaglio curioso: Le Brun e la Baccante accennano un sorriso in cui si intravedono i denti. Secondo le regole dell'Accademia, le donne dovevano essere rappresentate con le labbra chiuse. Il collage tra queste tre donne assume così un significato storico, nel descrivere gli ultimi anni della Francia monarchica e della vita spensierata della sua nobiltà.

Thomas Sully (1783/1872) fu un pittore britannico naturalizzato americano molto prolifico, che realizzò un numero considerevole di ritratti. I suoi dipinti sono eleganti e romantici, eseguiti con impeccabile maestria tecnica. La figura femminile è enfatizzata, in linea con il sentito sentimentalismo della metà del XIX secolo. Sebbene abbia ritratto molti dei più importanti politici del suo tempo, come la regina Vittoria e diversi presidenti degli Stati Uniti, tra cui Thomas Jefferson, John Quincy Adams e Andrew Jackson, la fama di Sully è principalmente radicata nei suoi eleganti e idealizzati figure di donne dell'alta società.

Tra queste, la nostra preferita è al centro del nostro collage, che raffigura Mrs. James Montgomery, adornata da una collana di corallo. Anno 1845.

Claude Monet (1840/1926), il pittore francese che studiò a lungo la luce cercando di catturare le mutevoli atmosfere, diede il nome al gruppo di artisti rivoluzionari come lui: gli impressionisti. Gli impressionisti, infatti, proponevano un'arte rivoluzionaria in cui cercavano di catturare sulle loro tele i mutamenti cromatici e gli effetti della luce sull'ambiente, lavorando quasi sempre "en plein air", all'aria aperta e non tra le quattro pareti di uno studio.

Dipingeva alberi e fiori, ma soprattutto i giochi d'acqua dello stagno e le ninfee galleggianti, che divennero una vera e propria ossessione pittorica fino alla fine dei suoi giorni. "Altri pittori dipingono un ponte, una casa, una barca... io voglio dipingere l'aria che circonda il ponte, la casa, la barca, la bellezza della luce in cui si trovano". (Claude Monet)

Amedeo Modigliani, artista italiano, noto anche con i soprannomi di Modì e Dedo, nacque a Livorno il 12 luglio 1884 da una famiglia ebraica, ultimo di tre figli maschi e una femmina: il padre Flaminio, originario di Livorno e discendente da una famiglia originaria di Roma, e la madre Eugénie Garsin, nata a Marsiglia ma livornese da diverse generazioni, entrambi atei. Nel 1906 Amedeo Modigliani trova i fondi per trasferirsi a Parigi, capitale mondiale dell'arte d’avanguardia, dove sviluppa uno stile unico: i suoi sensuali nudi femminili e i ritratti caratterizzati da volti stilizzati, colli affusolati e sguardi spesso assenti. Si tratta di una scelta stilistica estremamente simbolica. Modigliani, sulla scia del detto secondo cui "gli occhi sono lo specchio dell’anima", decide di rappresentare i suoi soggetti come privi di pupille; non potendo conoscere l'anima degli uomini e delle donne che ritrae, l'artista lascia i loro occhi "vuoti".

Modigliani fu anche scultore, discepolo del maestro Constantin Brâncuși, e realizzò una serie di teste in arenaria che riuscì a esporre nel 1912. Purtroppo anche la sua carriera di scultore ebbe vita breve: a causa della polvere generata dalla scultura, la sua tubercolosi peggiorò; Abbandonò quindi la scultura, e si concentrò unicamente sulla pittura. Artista bohémien, Modigliani non disdegnò certo il bere e l'uso di sostanze nocive, compromettendo così la sua precaria salute fisica, già minata dalla tubercolosi, che di fatto lo portò alla morte a soli trentacinque anni, proprio all'apice del suo successo. Pare che una volta, malato e delirante, confessò che tutto ciò che desiderava al mondo era vedere i dipinti di Palazzo Pitti e degli Uffizi a Firenze prima di morire.

Andrea Mantegna (1431/1506) fu un artista rinascimentale di grande influenza, noto per i suoi esperimenti di prospettiva e illusione spaziale. È noto che la sua opera abbia influenzato i grandi pittori dell'epoca, tra cui il tedesco Albrecht Dürer e gli italiani Giovanni Bellini e Leonardo da Vinci.

Analizziamo ora la parte inferiore del nostro collage: si tratta del dipinto "Presentazione al Tempio", che Mantegna realizzò nel 1465: a destra la giovane Madonna offre il Bambino all'anziano e severo sacerdote Simeone, mentre al centro, sullo sfondo, San Giuseppe osserva con diffidenza: a sinistra, dallo sfondo nero, fa capolino il volto pallido e perplesso di un giovane con i capelli ricci e all'estrema destra, dietro la Madonna, esce di scena una donna con lo sguardo smarrito. Sono presenti sei personaggi, l'atmosfera è severa e preoccupata, senza un sorriso e con un Gesù bambino sofferente. I critici ritengono che il giovane che entra da sinistra sia Andrea Mantegna stesso in uno dei suoi primi autoritratti (simile ad altri a sinistra), mentre la donna che esce a destra si ritiene sia Nicolosia Bellini, la giovane che Andrea aveva da poco sposato.

Come molti artisti del Settecento, il tedesco Anton Raphael Mengs (1728/1779) sviluppò le sue magistrali doti pittoriche studiando opere dell'antichità, del Rinascimento e del Barocco; tutte opere che conobbe durante il suo soggiorno in Italia. Al termine di questo soggiorno di tre anni in Italia, Mengs si convertì al cattolicesimo e sposò una giovane romana. Oltre al periodo trascorso lavorando come pittore di corte a Dresda e a Madrid, Mengs trascorse il resto della sua vita in Italia dipingendo pale d'altare, affreschi e ritratti.

I l "pittore dei Principi", come Mengs veniva chiamato dai suoi contemporanei, fu presto dimenticato dopo la sua prematura scomparsa e l'emergere di nuovi giovani artisti, ribelli e romantici, avversi al suo rigore classico.

Benjamin West (1738–1820) fu un pittore americano originario della Pennsylvania. Inizialmente formatosi come ritrattista, si trasferì in seguito in Italia, dove a Roma trovò un mecenate inglese che lo presentò ad Alessandro Albani, influente cardinale, mecenate e collezionista d'arte italiano. Durante il suo soggiorno in Italia, West si specializzò nei dipinti a tema storico.

Nel 1763 si stabilì in Gran Bretagna, dove ricevette numerose commissioni ufficiali. Nel 1772, succedette a Joshua Reynolds come presidente della Royal Academy of Arts. West ebbe anche un'influenza significativa sullo sviluppo della pittura negli Stati Uniti; molti artisti americani, come Gilbert Stuart, si formarono nel suo studio londinese.

Il pittore austriaco Egon Schiele (1890/1918) è famoso, alcuni lo definiscono famigerato, per i corpi contorti e la cruda sensualità dei suoi dipinti, molti dei quali sono autoritratti. Importante pittore figurativo del XX secolo, ha creato oltre 3000 opere su carta e circa 300 dipinti, spesso considerati scioccanti e offensivi per il loro erotismo esplicito e sfacciato. Allievo e protetto del suo connazionale Gustav Klimt, Egon Schiele fu un artista dalla vita breve ma intensa. Le sue linee spigolose lo contraddistinguono come uno dei primi sostenitori dell'espressionismo austriaco, che rifiutava le convenzioni di bellezza tipiche e introduceva nell'arte la bruttezza e le emozioni esagerate.

Klimt acquistò i disegni di Schiele, assunse modelli per lui e lo presentò a potenziali mecenati. Di conseguenza, alcune delle prime opere di Schiele mostrano somiglianze con quelle di Klimt; inoltre, i due condivisero molte cose nella vita: esperienze artistiche, rispetto reciproco, amicizia e, si dice, amore per una stessa donna.

Conclusa l'esperienza bellica che lo aveva visto partire da convinto volontario tra le fila dell'esercito tedesco e tornare decisamente e risolutamente da pacifista, Otto Dix (1891/1969) tornò a Dresda nel 1919 per iscriversi all'Accademia di Belle Arti e completare finalmente la formazione pittorica interrotta con lo scoppio del conflitto. Attraverso le interazioni con altri artisti si avvicinò alle esperienze del movimento dadaista. In una nazione tedesca, frantumata dalla sconfitta bellica, i dadaisti miravano a ricomporre i pezzi attraverso l'azione artistica e culturale. Soprattutto con il collage; Dix è il primo a incorporare lo spirito provocatorio e l'anarchia pittorica tanto cari al dadaismo berlinese.

Otto Dix, qui sopra al centro in un autoritratto, negli ultimi anni è stato oggetto di rinnovato interesse internazionale. I dipinti per i quali è famoso, dalle rappresentazioni di soldati morenti in trincea, alle luci delle grandi città, passando per i ritratti di prostitute, suscitano ancora oggi forti reazioni. “Diventerò famoso o diventerò infame", disse Otto Dix. Riuscì in entrambe le cose. "Un artista deve chiedersi in quale epoca vive e come può rispondere alla sua epoca. Se si guarda la biografia di Dix ci si rende conto che ha attraversato cambiamenti epocali: nacque al tempo dell'imperatore Guglielmo II, visse la Prima Guerra Mondiale al fronte, poi ci fu la Repubblica di Weimar, i nazisti, che trovarono i suoi dipinti scandalosi, osceni e dannosi per la causa militare; poi un'altra guerra, poi l'era delle due Germanie". (Markus Stegmann) "Non mi piace la rappresentazione di cose odiose", disse Dix una volta in sua difesa. "Tutto ciò che vedevo era bello".

Senza dubbio un'opera che ha catturato l'immaginario collettivo, anche per il film del 2003, è "La ragazza con l'orecchino di perla", nota anche come "La ragazza con il turbante", datata 1665.

Soprannominata la "Monna Lisa olandese", l’artista olandese Johannes Vermeer (1632/1675) ritrae questa giovane donna su uno sfondo scuro per esaltare la luminosità della sua pelle, la sua espressione innocentemente sorpresa e il celebre orecchino. “Il pittore era maestro nel raffigurare soggetti borghesi impegnati nelle loro attività quotidiane. Ciò che lo affascinava di più erano le persone, soprattutto donne e ragazze, assorte nelle faccende domestiche”. (Carlotta Marelli) Ammirando le sue tele, che abbiamo parzialmente raccolto nel collage, si ha l'impressione di entrare in un mondo antico, semplice e prezioso al tempo stesso. Sembra una finestra sul passato, attraverso la quale possiamo intravedere la vita quotidiana di individui sconosciuti, immortalati dal talento dell'artista olandese. "I dipinti di Vermeer sono vere e proprie nature morte con esseri umani”. (Ernst Gombrich)

Le monarchie europee del XIX secolo rivivono nelle accattivanti opere di Franz Xaver Winterhalter (1805/1873): a Parigi, dove fu il pittore di corte da Luigi Filippo. In Inghilterra Winterhalter dipinse i ritratti della regina Vittoria e della sua numerosa famiglia, ora conservate a Buckingham Palace. La fama del pittore continuò a crescere anche sotto Napoleone III, quando Winterhalter divenne il ritrattista ufficiale. fama Raggiunse anche la corte spagnola, dove Isabella II gli commissionò uno splendido ritratto.

Nel 1864 si recò a Vienna per dipingere l'imperatore Francesco Giuseppe I d'Austria e sua moglie, Elisabetta di Baviera, nota come la principessa Sissi. Tuttavia noi, ferventi repubblicani, abbiamo scelto di includere nel nostro collage dei dettagli più borghesi, tratti dalla vasta produzione artistica di questo grande pittore tedesco, che ci sorride in basso a destra dal suo autoritratto del 1840.

John Singer Sargent nacque nel 1856 a Firenze da genitori americani. Sua madre Mary non voleva per lui un'infanzia normale, come quella che i bambini della sua età trascorrevano a scuola, imparando a scrivere e a leggere. Preferiva portarlo con sé in giro per il mondo, alla scoperta delle bellezze artistiche e culturali, visitando le principali città europee. Nel 1885 fece la prima di una serie di visite a Monet nella sua casa di Giverny, mentre, nello stesso periodo, cresceva il suo interesse per la pittura en plein air.

John divenne pittore di moda, stile e gusto. Un'arte che si fonde con la moda. Le tecniche pittoriche dell'artista esaltano abiti lussuosi, elegantemente indossati da personaggi dell'aristocrazia americana del XIX secolo. La maggior parte di questi raffinati ritratti è oggi esposta nelle sale del Museum of Fine Arts di Boston e in quelle della Tate Britain di Londra.

Guido Reni (1575/1642) fu il più celebre pittore italiano del suo tempo, rinomato come un creatore di immagini religiose pressoché ineguagliabile. Le figure idealizzate che dipinse, insieme all'armonia, al colore e alla composizione delle sue opere, resero il suo nome sinonimo di grazia e bellezza; fu pertanto definito "il divino Guido". Secondo un biografo, Reni si vantava di saper "dipingere teste con gli occhi rivolti al cielo in cento modi diversi" sia per rappresentare l'estasi che per l'ispirazione divina.

Avrebbe potuto essere un artista ancora più grande, un altro Rubens (in termini di potere, ricchezza e status sociale), se non avesse macchiato la sua reputazione e la sua arte accettando troppe commissioni e terminandole in fretta per saldare i suoi debiti, spinto da una dipendenza incontrollabile dal gioco d'azzardo.

Sebbene spesso associato all'Italia, il Rinascimento si estese anche all'Europa settentrionale, Nei territori delle Fiandre. "I dipinti dell'epoca raffiguravano momenti comuni a tutti i membri della società, dalle attività ricreative delle classi superiori al lavoro dei contadini, dalla grandiosità delle città alla pacifica atmosfera di villaggi e case”. (Abel G.Matos) Uno degli artisti più rappresentativi dell'arte fiamminga è Jan Van Eyck (1390/1441).

Le informazioni verificate sulla sua vita rimangono scarse; fu comunque un artista di fama internazionale e il suo stile, incentrato su una resa analitica della realtà, ebbe un larghissimo influsso. Perfezionò la tecnica della pittura ad olio, che gradualmente sostituì in Europa l'uso del colore a tempera.

Il dettaglio che proponiamo è tratto dal dipinto "La fuga di Rochefort" di Édouard Manet del 1880. Il dipinto raffigura la fuga del politico e scrittore dell'opposizione Henri de Rochefort, rinchiuso in una colonia penale dell'isola di Nuova Caledonia, dopo il crollo della Comune nel 1871. Affrontando il pretesto aneddotico della scena con la tecnica pittorica, Manet fallì nel suo progetto di creare un dipinto storico per il Salon di Parigi del 1881; creò, tuttavia, un manifesto artistico.

Persino i volti, ad eccezione di quello di Rochefort, sono irriconoscibili, subordinati alla pura pittura. Così facendo, toccò il problema più urgente per l'Impressionismo dell'epoca: la questione del contenuto in una forma di pittura interamente incentrata sulla realizzazione stilistica.

La famiglia di Paul Signac (1863/1935) si trasferì nel quartiere parigino di Montmartre, dove sorgevano numerosi atelier di artisti. Nel 1880 abbandonò gli studi di architettura per seguire la sua vocazione, dopo aver visitato una mostra di Claude Monet. Le opere più emblematiche del suo percorso artistico mostrano la sua iniziale adesione all'Impressionismo, tecnica che in seguito abbandonò, dando vita al "Puntinismo" insieme all'amico Georges Seurat.

Il puntinista sceglie di applicare il colore sulla tela a piccoli punti anziché stenderlo uniformemente. Questa tecnica la si deve all'influenza che gli studi nel campo dell'ottica, ebbero sui giovani artisti sopracitati; un'altra rivoluzione artistica determinata anche dal clima di euforico ottimismo per i cambiamenti nella società francese ai tempi non a caso chiamati Belle Époque.

Quasi tutti gli amori di Van Gogh sono documentati nei suoi dipinti, ma nessuno ha ispirato il pittore a creare un'immagine vivida come quella di Agostina Segatori, il suo primo e ultimo grande amore, che abbiamo posto al centro del nostro collage (la ragazza dagli insoliti capelli rossi scompigliati dal vento). Agostina era una famosa modella nata a Napoli e proprietaria del caffè Le Tambourin in Boulevard de Clichy a Parigi.

Vincent, un uomo molto più umile, fu sopraffatto dal suo stile di vita al punto da lasciarla e negare definitivamente i suoi sentimenti per tutti. Si dice che non si innamorò più dopo di lei. Queste disavventure rivelano quanto fosse sensibile, incompreso e solitario il celebre pittore olandese Vincent Van Gogh, una delle figure principali del Post-impressionismo e, soprattutto, il più popolare tra i pittori moderni.

La vita di un artista è spesso caratterizzata da uno sguardo dualistico sulla realtà, capace di catturare luci intense e ombre profonde. Edvard Munch, il grande pittore norvegese (1863 - 1944), è considerato uno dei precursori dell'espressionismo e ha avuto un ruolo fondamentale nell’evoluzione dell'arte moderna.

Nel nostro collage Edvard Munch appare in basso a sinistra in uno dei suoi autoritratti, mentre in alto a destra possiamo ancora vederlo, in uno dei suoi momenti di panico, nel suo dipinto più famoso: l'Urlo. "Nato in una famiglia segnata dalla malattia e dalla morte, Munch ha sperimentato il dolore più acuto fin da giovane. L'arte, per lui, si è trasformata in un potente strumento per esprimere i suoi tormenti e dare voce all'inquietudine che lo tormenta… l’artista raffigura l'angoscia dell'esistenza umana, il senso di isolamento e di straniamento che spesso ci affligge". (Annamaria Accinno) "Attraverso l'arte cerco di vedere il mio rapporto con il mondo, e se possibile anche di aiutare chi osserva le mie opere a comprenderle, a guardare profondamente dentro di sé".

Henri Toulouse-Lautrec (1864/1901) è stato un grande grafico, disegnatore e pittore francese, molto attivo verso la fine del XIX secolo. Le sue opere sono considerate post-impressioniste. È particolarmente noto per i suoi manifesti e le sue pubblicità, creati ad esempio per gli spettacoli del famoso locale notturno Moulin Rouge. Le sue opere raffigurano le scene più eccentriche della vita notturna parigina e oggi esprimono i radicali cambiamenti nella società e nell'economia durante quel periodo storico noto come Belle Époque.

Un grande artista e un uomo sfortunato. A Toulouse-Lautrec rendiamo omaggio, ricordandolo con una delle sue commoventi frasi: "L'amore è quando il desiderio di essere desiderati ti fa stare così male da pensare di poter morire".

Nonostante la sua prematura scomparsa durante la Prima Guerra Mondiale nel 1914, a soli 27 anni, l'impatto di August Macke sull'arte moderna rimase significativo. La sua padronanza della manipolazione del colore e la sua esplorazione di nuove forme di espressione artistica influenzarono le generazioni successive di artisti.

Macke, insieme al movimento Der Blaue Reiter, sperimentò la pittura astratta, sebbene gran parte della sua opera rimase figurativa. La sua breve ma intensa carriera artistica continua a essere celebrata, con le sue opere che rimangono un contributo fondamentale all'Espressionismo tedesco e, più in generale, all'arte moderna.

Il francese Henri Rousseau (1844/1910), uno dei pittori più originali dell'inizio del XIX e XX secolo, noto anche come il Doganiere, è considerato un precursore della cosiddetta pittura naïf. Iniziò a dipingere all'età di trent'anni, principalmente perché aveva molto tempo libero lavorando come impiegato presso l'ufficio delle imposte e delle dogane di Parigi. La semplicità di Henri Rousseau, a volte al limite dell'ingenuità nel dipingere la fauna e la flora della foresta, fu il tema di 25 suoi dipinti, che al suo tempo non tutti apprezzarono.

“Rousseau non si scoraggiò per gli insuccessi; furono le battute e le ironie a dargli energia. Lavorò duramente dipingendo paesaggi fantastici ed esotici e, alla fine, riuscì a creare un suo linguaggio pittorico primitivo ma coerente." (Danilo Almeida). Altrettanto famosa è la frase di Picasso sul pittore-doganiere: "Henri ha lavorato duramente per tutta la vita per imparare a dipingere come un bambino".

Il pittore rinascimentale Paolo Caliari, nato a Verona nel 1528, detto il Veronese dopo il trasferimento a Venezia, fu protagonista, con Tiziano e Tintoretto, della grande stagione artistica del Cinquecento veneziano.

La popolarità di Veronese ha attraversato i secoli, collocandolo tra i maestri del colore al fianco di Tiziano, Rubens e Rembrandt. La sua bottega era composta da una affermata famiglia di pittori, di cui facevano parte anche il fratello e i figli Carlo e Gabriele. "Il pittore Paolo Veronese celebra la ricchezza dell'aristocrazia veneziana e lo splendore della Venezia cinquecentesca attraverso opere di grandi proporzioni dove una luce tersa esalta i colori e le figure. La sua brillante e rivoluzionaria ricerca nel campo del colore e della prospettiva apre le porte alle conquiste del Barocco, anticipando persino alcuni dei risultati ottenuti, tre secoli dopo, dai pittori impressionisti". (Bettina Mirabile) Le grandi opere di Veronese sono oggi distribuite in alcuni dei musei più prestigiosi del mondo, come il Louvre di Parigi, la Pinacoteca di Brera di Milano e le Gallerie dell'Accademia di Venezia.

Rogier Van der Weyden è considerato uno dei più grandi pittori fiamminghi del XV secolo. Fu il pittore ufficiale della città di Bruxelles, avendo come suoi committenti i duchi di Borgogna. La nobildonna, a sinistra del nostro collage, è un ritratto vivace, grazie allo sguardo aperto della donna, rivolto direttamente all’osservatore. Il suo copricapo indica che si tratta di una donna, peraltro ignota, che potrebbe aver vissuto a Bruxelles.

A destra il ritratto di una seconda donna: un esempio di eleganza caratteristica dei ritratti più tardivi dell'artista. Sebbene l'identità sia anch’essa sconosciuta, la sua aria dignitosa suggerisce che appartenga alla nobiltà. La veste e le sopracciglia depilate sono preferite dalle dame di alto rango della corte di Borgogna.