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Formatosi a Napoli nella tecnica della pittura a olio olandese, Antonello stabilì il nuovo standard della ritrattistica quando arrivò dalla Sicilia a Venezia nel 1475.

Molto prima di Leonardo da Vinci, introdusse il sorriso accennato come indicazione della vita interiore del soggetto, avvolgendone i lineamenti in una luce soffusa e catturando l'osservatore con il suo sguardo diretto.

In questo modo il dipinto contraddisse l’allora visione negativa dominante, secondo cui la pittura potesse essere solo una mera rappresentazione dell'aspetto esteriore di una persona, non certo del suo carattere.

(Fonte: The Metropolitan Museum of Art)

Giuseppe Arcimboldi (o Arcimboldo) fu il più eccentrico pittore manierista, famoso per le sue teste composte.

L'artista, milanese, si era formato in un ambiente artistico particolarmente vitale come quello milanese di metà Cinquecento.

Chiamato a Vienna nel 1562 da Ferdinando I d'Asburgo, Arcimboldi si dedicò subito alla ritrattistica, tanto da essere nominato ritrattista di corte nel 1564 da Massimiliano II.

Ma la ritrattistica ufficiale era un genere circoscritto a Giuseppe Arcimboldi, che a partire dal 1563 iniziò a lavorare alle sue teste composte, che gli avrebbero garantito un grande successo.

Giacomo Balla (1871/1958) è l'artista italiano il cui talento è indissolubilmente legato al movimento futurista, di cui fu promotore e uno dei principali esponenti negli anni cruciali per l'evoluzione del movimento. Ma etichettare l'artista originario di Torino esclusivamente come futurista sarebbe riduttivo e scorretto.

Negli anni Trenta del Novecento, tuttavia, Giacomo Balla iniziò a essere sempre meno convinto degli ideali futuristi e, allo stesso tempo, anche di quelli fascisti, allontanandosi sia dai movimenti artistici che da quelli politici.

Vogliamo qui ricordarlo con una sua frase: "Fare luce è sempre stato il mio studio preferito".

Giacomo Bartolomeo Veneto è uno degli artisti "minori" più interessanti e meno studiati del primo Cinquecento italiano.

I ritratti femminili di Bartolomeo richiamano i modelli di Leonardo da Vinci, anche per la presenza di un piccolo animale che è avvolto al braccio sinistro della dama che suona, come a ricordare l'ermellino del ritratto di Leonardo, famoso come “la Dama con l'ermellino", ora al Museo Nazionale di Cracovia.

Tuttavia, l'animale nel dipinto di Bartolomeo non è un ermellino vivo come nel dipinto di Leonardo, ma uno morto. Le donne di alto rango indossavano spesso una pelliccia di ermellino o zibellino perché si credeva tenesse lontane le pulci.

Giovanni Bellini (1430/1516), detto "Giambellino", fu un pittore di Venezia, tra i più celebri artisti del suo tempo.

Lavorò ininterrottamente per sessant'anni, traghettando la pittura dalla tradizione bizantina alla modernità del Rinascimento.

Nel nostro collage, San Girolamo è raffigurato nei due uomini intenti a leggere. Il panorama sullo sfondo non può essere definito orientale, ma è più simile alle colline venete ben note al pittore.

La piccola figura in lontananza tra i santi, che cammina curvo verso le mura della città, è Gesù Cristo che idealmente scende al Limbo (come dipinto in un'altra opera di Bellini), dopo la sua crocifissione e prima della resurrezione.

Se Michelangelo è considerato uno dei maggiori rappresentanti del Rinascimento, il napoletano Gian Lorenzo Bernini (1598/1680) è l’esponente del Barocco. Una delle sue doti era l’abilità nel catturare il movimento e la vita nelle sue sculture.

L’immagine, dipinta dall’inglese Joseph Wright of Derby nel 1775, che fa da sfondo al collage, era uno spettacolo pirotecnico allestito a Roma in occasione dell'insediamento di un nuovo Papa.

Questo motivo ci ha indotto a scegliere, tra la vasta produzione di Bernini, solo le sculture dedicate ai tre pontefici, che ha conosciuto l’artista: il primo a sinistra è l’austero Papa Clemente X; il secondo busto marmoreo al centro è Papa Paolo V e il terzo è Papa Gregorio XV.

Il 12 agosto 1827 morì a Londra William Blake, visionario poeta inglese. Appassionato di arte medievale, fu anche pittore e grande miniaturista, ed è famoso per le sue poesie caratterizzate da una forte spiritualità. La figura rappresentata china, al centro dell'immagine, con il compasso in mano è riconoscibile come il fisico Isaac Newton.

"Newton, uomo nudo e creato dal caos, sembra aprirsi un varco nel caos. Sta scoprendo la legge insita nella sua stessa natura fisica. L'uomo ha gustato il frutto dell'albero della conoscenza, e ora il suo intelletto rivela al suo sguardo stupito la realtà astratta della creazione. Blake cercò di esemplificare il significato più profondo del suo pensiero filosofico nella tensione tra il realismo immediato della sua immagine e il simbolismo fantastico". (Emil Krén)

Dopo numerosi viaggi, l’artista italiano Giovanni Boldini (1842/1931) si trasferì definitivamente a Parigi nel 1871, dove rimase fino alla morte. Amante della vita mondana, Boldini volle stabilirsi nel quartiere di Montmartre e iniziò a frequentare il Café de la Nouvelle Athènes, ritrovo degli artisti, situato proprio di fronte a casa sua.

Nella capitale francese, la carriera del pittore italiano continuò a decollare rapidamente: ritrasse la femminilità e la sensualità delle dame dell'alta società con colori smaltati e un tratto pittorico fatto di pennellate guizzante e nervose, tanto da essere ricordato come un pittore della Belle Époque.

Tenne numerose mostre, soprattutto a Parigi, anche in occasione delle Esposizioni Universali del 1889 e del 1900.

L'artista italiano Luigi Bonazza operò nella prima metà del Novecento. Dopo la laurea, nel 1897 si trasferì a Vienna e si iscrisse alla Kunstgewerbeschule. Grazie agli insegnamenti appresi, Bonazza si ispirò al repertorio iconografico della Secessione Viennese, subendo il fascino delle raffigurazioni sensuali di Gustav Klimt.

Ogni artista ha il suo piccolo o grande rifugio: Pablo Neruda scriveva dalla sua barca affacciata sul Pacifico; Frida Khalo aveva una casa tutta blu in Messico, mentre Monet non poteva fare a meno dei suoi giardini, dove stagni e ninfee finivano nei suoi dipinti. Anche a Trento, troviamo una casa diventata un'opera d'arte: quella di Luigi Bonazza, che, nel corso del tempo, trasformò in un museo, il suo, denso di opere tra dipinti, graffiti e decorazioni e arredi disegnati di sua mano.

Sandro Botticelli (1445/1510) è uno degli artisti simbolo del Rinascimento, e in particolare di quello toscano, non solo per la proverbiale bellezza delle sue dee e delle sue Madonne, ma anche per essere uomo di grande cultura e uno dei pittori più raffinati.

All'apice della sua fama, il pittore fiorentino fu uno degli artisti più stimati d’Italia; l'artista simbolo del Rinascimento.

Non tutti sanno che Sandro Botticelli affrescò anche la Cappella Sistina, dove solitamente si va a ammirare Michelangelo, si possono vedere, sulle pareti laterali, anche tre scene dipinte da Botticelli, maestro fiorentino che appare a sinistra nel suo autoritratto del 1475.

Nel 1850 all'artista francese Bouguereau fu conferito il Grand Prix de Rome, che includeva una borsa di studio per l'Accademia di Francia a Roma, dove iniziò a studiare l'anno successivo. Bouguereau si dedicò allo studio della pittura rinascimentale italiana (il suo artista preferito era Raffaello) e delle opere dell'antica Roma, profondamente colpito dalla sua visita alle rovine di Pompei, a cui è ispirato il nostro collage.

Dopo il lungo soggiorno romano, tornò nella sua città natale, La Rochelle, dove la sua carriera fiorì. Rimase fedele allo stile neoclassico per tutta la vita, come dichiarò con queste parole: "Nella pittura, sono un idealista. Nell'arte, conosco e voglio vedere solo la bellezza, e per me l'arte corrisponde al sentimento della Bellezza".

L'arte di Pieter Bruegel il Vecchio è ricca di dettagli minuziosi e simboli nascosti, quasi impercettibili a prima vista. Vediamo alcuni nelle opere dell'artista olandese del XVI secolo che abbiamo raccolto nel nostro collage:

La Torre di Babele. Il trattamento di Bruegel di questo episodio biblico è ricco di dettagli meticolosi. Osservando attentamente la Torre, possiamo notare che raffigurava vari stili architettonici, un'allusione al caos e alla confusione che, secondo la leggenda, si generarono dopo che Dio fece parlare lingue diverse ai costruttori per impedire di comunicare tra loro, e così non riuscirono a completare la torre che si sarebbe innalzata verso il cielo.

Bruegel ci mostra i segni dell'inevitabile rovina. Ovunque mattoni si sgretolano, cadono e gli operai penzolano pericolosamente dai cornicioni.

Sotto la torre, alcuni ciechi camminano in fila indiana. Si tengono tutti per le spalle e impugnano dei bastoni per non perdersi; sono dipinti con il volto rivolto verso l'alto, poiché si affidano al senso dell'udito. Ognuno di loro è poi accuratamente raffigurato come affetto da una distinta forma di cecità. È l'immagine della parabola narrata da Gesù: "Lasciateli stare: sono ciechi che guidano altri ciechi. E se un cieco guida un altro cieco, entrambi cadranno nella fossa!" L'approccio sbagliato di coloro che seguivano ciecamente le idee degli altri.

Sul lato sinistro è raffigurato un uomo coperto da un mantello nero: la lunga barba, le mani giunte e la testa rivolta verso il basso indicano il suo carattere severo. E’ il Misantropo, che dà il titolo all'opera, probabilmente Timone di Atene, un eremita descritto da Cicerone, Seneca e molti altri scrittori antichi. Il suo aspetto conferisce al nostro collage un'atmosfera macabra.

Le figure sul lato destro sono due "Lanzichenecchi", i fanti mercenari i cui costumi pittoreschi e l'aria spavalda fornirono immagini popolari agli incisori del XVI secolo. Pieter Bruegel il Vecchio è stato il più grande artista satirico dell'arte olandese. I suoi dipinti sono ricchi di immagini allusive, che spaziano dal sacro al profano, fino al ridicolo.

Sir Edward Coley Burne-Jones (1833/1898) fu un importante pittore, illustratore e designer inglese di fine Ottocento, i cui dipinti, tra romantici e medievali, furono tra le ultime espressioni dello stile preraffaellita.

Dopo la sua morte, le opere pittoriche di Burne-Jones caddero nell'oblio, l'artista fu poco apprezzato, dato che pubblico e artisti prediligevano l'arte moderna.

Fu rivalutato solo negli anni '60 e '70 del Novecento e nel 1998, per celebrare il centenario della sua morte, furono organizzate diverse mostre molto apprezzate al Metropolitan Museum of Art di New York e al Musée d'Orsay di Parigi.

Antonio Canova (1757 - 1822), pittore e scultore veneziano, è uno dei principali rappresentanti della scultura neoclassica. Incoraggiato dal nonno, ha iniziato la sua formazione artistica molto giovane, fino ad arrivare a essere considerato il miglior scultore d’Europa dall’epoca di Bernini; “novello Fidia” come lo definivano i suoi contemporanei. Le sculture in marmo di Canova, ispirate all’antichità classica, sono caratterizzate dalle finiture perfette, ispirate da un’ideale di bellezza irraggiungibile.

Il nostro collage pone al centro una delle opere più monumentali dell’artista: la piramide, monumento funebre di Maria Cristina d’Austria, che si trova nella chiesa degli Agostiniani di Vienna, viene realizzato da Canova durante due soggiorni in Austria, nel 1798 e nel 1805.

“Una grande piramide sepolcrale dunque, dove in alto è ritratta Maria Cristina, in una cornice a forma di serpente che si morde la coda simbolo di eternità. A destra un genio alato si appoggia ad un leone, simbolo di casa Sassonia, e fanno la guardia del sepolcro, di cui nessuno deve turbare la pace”. (Sonia Cappellini)

A sinistra abbiamo posto in primo piano la figura di Maddalena che Canova scolpì nel 1796; il marmo fu esposto a Parigi e venne definito "miracoloso" per la sua grande bellezza.

La donna appare in atto di contrizione, in sintonia quindi con il contesto della composizione funebre.

La testa con serpenti al posto dei capelli, realizzata dal pittore italiano Michelangelo Merisi detto il Caravaggio (1571-1610) è conservata nella Galleria degli Uffizi di Firenze. Rappresenta Medusa (figura mitologica greca) nel momento in cui viene uccisa, con il volto urlante, gli occhi e la bocca spalancati dalla paura e dalla sorpresa e la testa decapitata grondante di sangue.

È probabile che Caravaggio abbia ripreso i propri lineamenti allo specchio per dipingere il volto terrorizzato; tuttavia non si tratta di un vero e proprio autoritratto, bensì di uno studio espressivo basato sul modello più facile che aveva a disposizione: sé stesso. Per la ferocia e la crudezza del soggetto, rappresenta un momento di rottura rispetto alla sensibilità che aveva caratterizzato i suoi dipinti precedenti.

La portata di questa innovazione non riguarderà solo la sua opera, ma avrà ripercussioni sull'intera storia dell'estetica, dato che la sua violenza, unita al suo intenso realismo, infrangeva le regole vigenti sul decoro e l'equilibrio della composizione pittorica.

“Questo cambiamento di gusto prenderà forma più tardi, durante l'epoca barocca, e sarà destinato a trasformare il concetto di pittura, che non avrà più il solo scopo di rappresentare la bellezza come avvenne nel Rinascimento: l'arte mirerà a stupire, a colpire lo sguardo e l'anima dello spettatore con ogni mezzo possibile.” (recensioni.wordpress.com)

Inizialmente vicino agli impressionisti con cui frequentava il Café Guerbois a Parigi, Cézanne se ne allontanò presto per sviluppare uno stile personale, una tecnica pittorica più scientifica e riflessiva che potesse conferire all'arte una sua legittima autonomia.

Per quasi tutta la vita il pittore francese rimase nella sua casa di campagna in Provenza, sebbene in gioventù fosse molto attratto dai boulevard parigini e dai caffè di Montmartre e Montparnasse.

Nel frattempo, la fama dell'artista solitario e geniale iniziò a circolare in tutta Europa, e numerosi furono gli inviti a partecipare alle mostre: ciononostante, l'artista, in un isolamento quasi volontario, si chiuse definitivamente in se stesso alla ricerca di nuove esperienze artistiche.

Il russo Marc Chagall (1887/1985) si recò a Parigi nel 1910 e qui incontrò i poeti d’avanguardia: Max Jacob e Apollinaire, e alcuni promettenti pittori destinati a diventare famosi: Chaim Soutine, Robert Delaunay, Amedeo Modigliani.

Di questo periodo parigino sono i personaggi che danzano nel cielo, il bizzarro violinista che si dondola sopra le case, gli amanti in blu, le scene di volo, e poi i suoi animali indefinibili.

Un'enorme sequenza di simboli che avrebbe poi costituito la base ispiratrice del Surrealismo. Per quanto riguarda il nostro collage, prendiamo in considerazione "Il Violinista Verde", del 1924, un dipinto che mostra tutte le influenze d'avanguardia accolte da Chagall e apprese a Parigi: il disinteresse per la prospettiva, i dettagli spigolosi degli abiti, i movimenti bidimensionali del violinista.

Il Violinista, una figura ricorrente nella cultura chassidica, era una presenza fissa durante feste e celebrazioni, poiché si pensava che la musica e la danza fossero un mezzo per entrare in contatto con Dio.

Pittore francese del XVIII secolo, Jean Baptiste Siméon Chardin era noto per le sue nature morte e le sue opere di genere. Chardin sviluppò ulteriormente la sua abilità nella riproduzione di nature morte e iniziò a coltivare una passione per le scene di genere. La sua reputazione gli valse commissioni redditizie e persino una pensione da Re Luigi XV. Il suo stile si evolse continuamente, passando da semplici nature morte a dettagliate raffigurazioni della vita quotidiana della società francese. Come scrisse il romanziere Marcel Proust: "Abbiamo imparato da Chardin che una pera è viva quanto una donna, che un comune pezzo di ceramica è bello quanto una pietra preziosa. Avendo compreso la vitalità dei suoi dipinti, avrete scoperto la bellezza della vita".

Sorella del celebre scrittore francese Paul Claudel, Camille Claudel (1863/1943) è uno di quei nomi femminili della storia dell'arte vittime di un'epoca incapace di accettare il suo talento.

Dopo un esordio brevissimo e promettente, la sua carriera fu brutalmente stroncata da coloro che avrebbero dovuto amarla e sostenerla. Prima sua madre, sempre contraria alla sua passione per la scultura, poi il suo maestro: Auguste Rodin, che la sedusse e l'amò, ma anche la sfruttò, fino a esaurirne la linfa artistica e vitale.

“È una storia rimasta sepolta nell'oblio per anni. Finché, per caso, uno studioso di letteratura interessato a saperne di più sulla vita del fratello Paul scoprì la tragica e appassionata esistenza della sorella scultrice". (Emma Sedini)

Salvador Dalí (1904/1989) è stato un pittore, scultore, scrittore, fotografo, regista, designer, sceneggiatore spagnolo; un personaggio conosciuto in tutto il mondo, sia per le sue creazioni che per i suoi eccentrici baffi.

Secondo l’eccentrico artista, icona del surrealismo, la realtà viene distrutta per "sistematizzare la confusione e contribuire a screditare completamente il mondo della realtà”.

"Dalí era dotato di un talento innato, uno spirito ribelle che trasformava il suo mondo in un surreale universo parallelo. Nonostante il suo precoce desiderio di essere ammirato e adorato dagli altri, sviluppò una forma di solitudine. Una caratteristica che tenne nascosta, nonostante il riconoscimento internazionale e una vita di eccessi”.

Osservare i dipinti realizzati da David tra la fine del Settecento e il 1825, anno della sua morte, significa assistere a un pezzo di storia europea moderna. Le sue opere ci riportano vividamente davanti agli occhi i personaggi storici e gli eventi di quel periodo.

Curiosità: tra i dettagli del nostro collage, chi sono i due giovani amanti? David ha usato la storia di Amore e Psiche per esplorare il conflitto tra amore idealizzato e realtà fisica. Amore, amante della bella mortale Psiche, le faceva visita di notte a condizione che lei non conoscesse la sua identità.

Amore era solitamente raffigurato come un adolescente ideale, ma qui David lo presenta come un adolescente impacciato che sorride di piacere alla sua conquista sessuale. David si è ispirato a diversi testi antichi, tra cui un oscuro poema greco che descriveva Amore come un monello meschino, dagli occhi scintillanti e i capelli ricci.

Il pittore spagnolo Jusepe de Ribera (1591/1652), ancora adolescente, si recò nella vicina Valencia per studiare all'università; ma, dopo aver visto le opere di Francisco Ribalta, maestro della pittura valenciana dell'epoca, ne fu così attratto che abbandonò gli studi per entrare nella bottega del maestro.

Qualche anno dopo, attratto dalla fama dei grandi artisti italiani, Ribera giunse in Italia, dove sarebbe rimasto per tutta la vita. Fu prima a Roma, dove gli fu dato il soprannome di "Spagnoletto"; poi a Parma, affascinato dalla grazia del Correggio; quindi di nuovo a Roma; infine a Napoli, intorno al 1616, dove trascorse tutta la sua gloriosa maturità.

Le opere del pittore francese Edgar Degas (1834/1917) sono di grande qualità tecnica e la personalità dell'autore è caratterizzata dalla sua incessante ricerca della bellezza.

Questi aspetti convergono in quest'uomo unico nel suo modo di fare arte, sempre molto originale, tanto che non è possibile analizzarlo tenendo conto solo di stili, correnti e movimenti preesistenti.

Quando il critico d'arte Edmond de Goncourt visitò Degas nel suo studio alla fine del 1800, disse di lui: "Dopo grandi prove, esperimenti e tentativi in tutte le direzioni, si innamorò della vita moderna e, tra tutti i temi della vita moderna, scelse di ritrarre le donne in tutte le espressioni di bellezza della loro vita".

"La prima qualità di un dipinto è di essere una gioia per gli occhi". Queste le parole del pittore francese Eugène Delacroix (1798/1863) uno dei massimi esponenti della pittura romantica francese. Si iscrisse all'École des Beaux-Arts e si dedicò allo studio dei capolavori del Louvre.

«Occhi castani, capelli leonini. Uomo di mondo, ma allo stesso tempo "orso", fiero e interamente dedito alla sua arte": con queste parole il poeta Charles Baudelaire descrisse Eugène Delacroix.

Il pittore fu sempre attratto dagli ambienti intellettuali. "Era un uomo di grande cultura e mantenne amicizie con le menti più brillanti del suo tempo, come la scrittrice George Sand e il suo compagno, il musicista Frédéric Chopin." (Alessandra Pagano)

L'artista trentino Fortunato Depero (1892-1960), allievo di Giacomo Balla, scrisse con lui un celebre manifesto, “Ricostruzione futurista dell'universo", pubblicato l'11 marzo 1915, nelle cui pagine elogia un mondo pieno di gioia, coloratissimo e luminosissimo, con materiali dai colori vivaci, dispositivi meccanici e musicali e liquidi luminosi.

“In un certo senso si può dire che i due artisti anticiparono di qualche decennio le esperienze tipiche della Pop-Art e dell'Arte Povera. Noi - scrivono - vogliamo raggiungere questa fusione totale per ricostruire l'universo rallegrandolo, cioè ricreandolo integralmente.

Molta attenzione è data anche ai giocattoli futuristici (grazie ai quali anche gli adulti potranno rimanere giovani, agili, allegri e disinvolti), così come alla moda, all'architettura, alla pubblicità e alla musica. (Roberto Roberti)

Donatello (1386 - 1466), vero nome Donato di Niccolò di Betto Bardi, il più grande scultore italiano del primo Rinascimento, e uno dei più celebri scultori di tutti i tempi. Donatello si ispirava all’antichità classica, a cui aggiungeva la sua capacità di invenzione, di espressioni e di grande abilità tecnica.

La Madonna di marmo bianco con la dolce espressione accanto al Bambino, è conosciuta come Madonna Pazzi, datata 1420. Sembra che il nome sia dovuto al fatto che questo bellissimo bassorilievo sia stato rinvenuto nel Palazzo Pazzi a Firenze. La famiglia Pazzi era una delle più potenti e nobili famiglie di banchieri fiorentini, nemici acerrimi dei Medici.

La seconda Madonna con Bambino, realizzata in terracotta dipinta, fu commissionata nel 1450 allo scultore da un’altra famiglia di banchieri e mercanti che operavano tra Milano, Padova e Venezia, i Borromeo.

A sinistra c’è il celebre eroe David, rappresentato da Donatello subito dopo l’uccisione di Golia; in piedi, totalmente nudo, a parte i calzari ed un cappello a falda larga. La mano sinistra poggia sul fianco tenendo un sasso, mentre il braccio destro è lungo il corpo e la mano stringe l’elsa di una spada. La scultura bronzea conservata al Museo Nazionale del Bargello a Firenze, è un vero capolavoro del Rinascimento italiano.

Il putto col tamburello di bronzo e il folletto alato, in lega di rame dorato, completano il nostro collage; un tributo che abbiamo voluto ambientare in un ipotetico museo moderno per sottolineare la modernità e il valore artistico delle opere di Donatello realizzate 600 anni fa.