Fashion over Time

L’abbigliamento nero è da sempre sinonimo di eleganza. La donna in basso a sinistra, ventaglio in mano, è la celebre “Dama col velo” — un ritratto del 1768 del pittore svedese Alexander Roslin, parzialmente celata dietro un velo di seta nera, vestita sotto in pizzo bianco e seta rosa per un’occasione speciale. Il ventaglio era un tempo centrale nella toilette femminile, un accessorio che le dame più raffinate sapevano maneggiare — talvolta persino per trasmettere segnali in codice. La modella non era estranea all’arte: era la moglie di Roslin, la pittrice francese Marie-Suzanne Giroust.

Giovanni Boldini fu uno dei principali pittori italiani di fine Ottocento, tra i più vicini all’Impressionismo, celebre a Firenze come a Londra e a Parigi — dove si stabilì definitivamente — per i suoi ritratti, soprattutto femminili, dipinti con dinamismo e profondità psicologica. Al centro del nostro collage, in un elegante abito nero scollato, è ritratta Franca Florio, una delle protagoniste leggendarie della Belle Époque. La baronessa Franca aveva sposato Ignazio Florio, uno dei più ricchi imprenditori italiani dell’epoca; Boldini la ritrasse nel 1901, con le labbra appena dischiuse e uno sguardo magnetico e distante. Ignazio, trovando la posa troppo sensuale, rispedì il ritratto a Parigi perché fosse ammorbidito — la versione oggi al centro del nostro collage. L’originale è conservato al Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti, a Firenze.

Il viola, nato dall’unione di rosso e blu, ha sempre avuto una natura duplice — impulsività e calma, lusso e mistero — ed è stato apprezzato fin dall’epoca vittoriana come colore della nobiltà e della fantasia. Nel collage, le tre donne vestite di viola, da sinistra a destra, sono Lady Mostyn, ritratta dall’inglese Thomas Gainsborough nel 1759; una giovane anonima ritratta come Santa Cecilia nel 1626 dal francese Simon Vouet; e la Contessa d’Haussonville, dipinta da Auguste Ingres nel 1845.

Il blu ha sempre affascinato l’umanità, poiché appare in natura come cielo e mare — simboli di infinito, profondità, ignoto e divino. Storicamente un pigmento prezioso e costoso, riservato alle classi sociali più elevate, il blu è il colore che Michelangelo usò per dipingere i cieli della Cappella Sistina e Giotto la volta stellata della Cappella degli Scrovegni a Padova. Il nostro collage raccoglie ritratti in blu, da sinistra a destra e dall’alto in basso: un giovane con cappello di Raffaello (1515); la Madonna con il Bambino del pittore fiammingo Jan van Eyck (1439); un uomo con la barba di Pontormo (1543); una donna con un libro e una ragazza di spalle, dipinte da Édouard Manet (1873); una madre in abito chiaro con le due figlie di Auguste Renoir (1884); e un’ultima donna in blu, ritratta dal pittore americano Guy Rose nel 1910.

Utilizzato fin dall’antichità, il cappello è sempre stato apprezzato per la sua versatilità — riparo dal sole, dal gelo o dalla pioggia, simbolo di status sociale come le corone medievali o gli antichi copricapi egizi, o semplice accessorio di pura vanità. Di paglia, lana, feltro o pelliccia, carta, pelle o bambù, i copricapi hanno assunto infinite varianti in una storia quasi antica quanto il mondo, coprendo la testa di imperatori come di mendicanti. Numerosi ritratti del Quattrocento mostrano giovani in posa con un berretto rosso, colore evidentemente amato in quell’epoca — persino gli artisti, desiderosi di frequentare committenti facoltosi e attenti alla propria immagine, indossavano spesso un cappello rosso acceso nei loro autoritratti.

Thomas Gainsborough (1727–1788) fu un pittore inglese, attivo principalmente come ritrattista e paesaggista. Al centro del nostro collage è raffigurata la contessa Mary Howe, in uno dei ritratti femminili più sorprendenti e iconici di Gainsborough, datato 1764 — atteggiamento fiero, mano sul fianco, sguardo che esce direttamente dalla tela come se fosse stata interrotta a metà passo. Gainsborough credeva che l’abito contemporaneo aiutasse a catturare la vera somiglianza della modella, e qui la contessa indossa l’abito più alla moda degli anni 1760: una “Robe à l’Anglaise” in taffetà di seta rosa, completata da un fichu trasparente bordato di pizzo, un grembiule ricamato in garza di seta, maniche con cascate di pizzo arricciato (“engageantes”) e un ampio cappello di paglia “Livorno”, importato dalla città toscana.

Thomas Cooper Gotch (1854–1931), il pittore inglese da cui sono tratti alcuni dettagli del nostro collage, ottenne un notevole successo con i suoi ritratti, ma divenne particolarmente popolare per le sue raffigurazioni di bambini in abiti in stile medievale, in ambientazioni senza tempo, spesso usando come modella la propria figlia Phyllis. L’abbigliamento infantile ha una storia lunga a sé: elaborato nel Rinascimento per riflettere la ricchezza dei genitori, reso più morbido e funzionale durante l’Illuminismo grazie a tessuti come il cotone, poi trasformato dalla Rivoluzione Industriale, che rese l’abbigliamento accessibile a un pubblico più ampio. Il XX secolo portò salopette e capi sportivi pensati per il gioco e il movimento libero, e l’approccio di oggi bilancia praticità ed espressione individuale, con crescente attenzione alla sostenibilità e all’etica della produzione.

La storia dell’arte offre molti modi di dare forma alle acconciature femminili nella ritrattistica. Il nostro collage ne raccoglie alcuni, dall’alto in basso e da sinistra a destra: il profilo della “Giovane Donna” che guarda a sinistra, un’aristocratica fiorentina dipinta dal Pollaiolo nel 1470; accanto a lei, un po’ nascosta, un’altra giovane donna — questa volta veneziana — ritratta dall’artista tedesco Albrecht Dürer nel 1505; al centro, la celebre Venere nuda del 1484, dipinta dal fiorentino Sandro Botticelli, considerata da molti il più bel ritratto femminile di tutti i tempi; e a destra di Venere, un’altra bellezza celebrata dalla storia giapponese, la principessa Konohanasakuya, dipinta da Insh&omacron; D&omacron;moto nel 1929.

Sir Thomas Lawrence (1769–1830) dominò l’arte del ritratto in Inghilterra per quarant’anni, accettando commissioni per il futuro Giorgio IV a partire dal 1814 e, nel 1818, un’importante commissione reale per ritrarre i leader europei riuniti ad Aquisgrana dopo la disfatta di Napoleone. Lawrence si recò poi a Roma, dove dipinse Papa Pio VII — che vediamo seduto sul trono nel nostro collage — un dipinto oggi conservato a Windsor insieme a molti suoi altri ritratti. Al centro, “The Red Boy” è considerato uno dei capolavori di Lawrence e, segno della sua duratura popolarità, divenne nel 1967 il primo dipinto riprodotto su un francobollo britannico. A sinistra, il Duca di Portland osserva la scena, vestito in un abito di velluto morbido e iconico nella storia dell’arte.

Lorenzo Lotto (1480–1557), pittore veneziano inquieto e girovago, non trovò spazio nella sua città natale a causa di uno stile troppo innovativo, originale e anticonformista per i gusti dettati altrove da Tiziano nel Veneto, e da Raffaello e Michelangelo nell’Italia centrale. Fu quindi più volte costretto a cercare lavoro nei centri periferici, dove la concorrenza era minore e la sua voce poteva esprimersi più liberamente. Il nostro omaggio celebra anche un’eccellenza italiana: l’arte dei tessuti di lusso, in cui un filo d’oro o d’argento veniva lavorato sulla superficie del velluto e rialzato con un gancio per creare una trama scintillante di metallo — un’economia artigiana le cui stoffe esclusive venivano esportate in tutta Europa.

Nonostante la sua morte prematura durante la Prima Guerra Mondiale nel 1914, a soli 27 anni, l’impatto di August Macke sull’arte moderna rimase significativo — la sua padronanza del colore e la sua esplorazione di nuove forme espressive influenzarono le generazioni successive di artisti. Insieme al movimento Der Blaue Reiter, Macke sperimentò l’astrazione, sebbene gran parte della sua opera restasse figurativa. Compare a destra nel nostro collage nel suo autoritratto del 1909; la sua fascinazione per le vetrine dei negozi ispirò una serie di dipinti, descritti da un critico come “una sorta di soglia del desiderio” legata ai gusti e agli stati d’animo di chi guarda — capace di distrarre, divertire e suscitare curiosità.

Come molti artisti del Settecento, il pittore tedesco Anton Raphael Mengs (1728–1779) sviluppò le sue magistrali capacità pittoriche studiando opere dell’antichità, del Rinascimento e del Barocco, iniziando a studiare seriamente l’arte a soli dodici anni, durante un viaggio a Roma con il padre. Vi tornò nel 1746, si convertì al cattolicesimo, sposò una giovane donna romana e trascorse il resto della sua vita in Italia dipingendo pale d’altare, affreschi e ritratti di giovani aristocratici inglesi in Grand Tour, ai quali si propose anche come mercante d’arte e di antichità.

L’uomo rinascimentale aveva una personalità adatta a un mondo in subbuglio: vigoroso ma instabile, pronto a lasciarsi sopraffare da rabbia, lacrime o violenza fino all’eccesso, ma animato da una curiosità insaziabile, un appetito intellettuale illimitato e un’incredibile capacità di lavoro — talvolta preferendo il lusso al buon gusto, capace sia di crimini inauditi che di sacrifici eroici. Artista o mecenate, ammirava soprattutto la bellezza: case eleganti, mobili elaborati e abiti ricchi, giardini e la musica che faceva parte della sua vita quotidiana. Da sinistra, il nostro collage raccoglie quattro italiani celebri: il pittore Lorenzo di Credi, ritratto da Pietro Vannucci detto il Perugino; Borso d’Este, marchese di Ferrara, ritratto da Baldassarre da Reggio; e Sigismondo Malatesta, signore di Rimini, ritratto da Piero della Francesca, autore anche dell’ultimo ritratto, Federico da Montefeltro, duca di Urbino. L’abbigliamento maschile rinascimentale, tra il XIV e il XVII secolo circa, introdusse tessuti preziosi come broccato, velluto e pellicce; il colore aveva un significato sociale importante, con il rosso cupo riservato ai nobili mentre il popolo non poteva indossare scarlatto o verde, e il grigio scuro apprezzato per la sua resistenza alle macchie. Le scarpe avevano punta piatta e larga, tomaie basse e lacci alle caviglie, realizzate in pelle, velluto o seta e spesso decorate con ricami e pietre preziose; sul finire del XVI secolo, anche gli uomini iniziarono a indossare orecchini.

Il Rinascimento portò progressi per le donne della classe media e alta, sebbene per la stragrande maggioranza la vita restasse difficile, con poche possibilità di miglioramento in una società patriarcale. Le artiste ebbero prospettive migliori, potendo guadagnarsi da vivere con il proprio lavoro, e nel XVI secolo iniziarono — lentamente — a essere più accettate. Anche le cortigiane potevano conquistare una certa indipendenza, sebbene spesso ingiustamente descritte come prostitute di alta classe; in realtà molte erano donne altamente istruite, che frequentavano artisti, intellettuali e scienziati. Da sinistra, il nostro collage raccoglie quattro celebri donne italiane: la “Dama di Berlino”, ritratta da Piero del Pollaiolo; Battista Sforza, duchessa di Urbino, ritratta da Piero della Francesca; Giovanna Tornabuoni, nobildonna fiorentina, ritratta da Domenico Ghirlandaio, autore anche dell’ultimo ritratto, Ginevra Cavalcanti, moglie di Lorenzo de’ Medici. La moda femminile dell’epoca raggiunse una raffinatezza senza precedenti: abiti in damasco di seta e velluto decorati con fili d’oro o d’argento, pizzi e gioielli; corpetti stretti da rigidi busti per assottigliare la vita; gonne ampie e a campana sostenute da sottogonne imbottite; scollature profonde e squadrate per valorizzare collo e décolleté; e maniche che variavano da aderenti a sbuffanti.

Il Rococò non può essere ridotto a un semplice movimento artistico — segna un’intera epoca storica, che inizia nel 1715 con la morte di Luigi XIV, il Re Sole, e si estende fino alla Rivoluzione del 1789. Anche la moda ne seguì le sorti: gli abiti si semplificarono e divennero meno appariscenti, ma si affermò una nuova idea di eleganza, fondata su dettagli sottili, tinte pastello e tocchi esotici. In primo piano nel nostro collage, a sinistra, è l’autoritratto dell’artista francese Marie-Gabrielle Capet, dipinto nel 1783 a soli 22 anni, con un abito di raso blu audacemente scollato, di moda ai suoi tempi. La moda femminile dell’epoca è incarnata dalla più celebre amante di Luigi XV, Madame de Pompadour — avvistata, secondo il racconto, mentre guidava da sola una carrozza scoperta vestita di velluto azzurro — che da affascinante borghese divenne marchesa, arbitro di gusto ed etichetta a corte, e infine consigliera politica di fiducia del re.

John Singer Sargent (1856–1925) fu il pittore della moda, dello stile e del gusto — arte fusa con la couture. La sua tecnica esaltava il lusso degli abiti indossati dall’alta società americana del XIX secolo, e la maggior parte di questi raffinati ritratti è oggi esposta al Museum of Fine Arts di Boston e alla Tate Britain di Londra. Sargent non si limitava a ritrarre i suoi soggetti; scelse personalmente gli abiti che avrebbero indossato, lavorando su tessuti e accessori per ottenere effetti pittorici drammatici — pittore e al tempo stesso stilista, capace di trasformare gli abiti in elementi narrativi della sua arte. Al centro del nostro collage compare in un autoritratto; a destra il suo celebre e controverso ritratto del 1884, “Madame X” — in realtà Virginie Amélie Avegno Gautreau, giovane parigina nota per la sua bellezza e il suo comportamento libertino — ritratta in un abito nero scollato con sottili spalline gioiello, i capelli raccolti in uno chignon decorato da un ornamento dorato a forma di mezzaluna. Quando il ritratto debuttò al Salon di Parigi del 1884, la sua sensualità esplicita suscitò scandalo; la spallina, originariamente scivolata dalla spalla, fu giudicata troppo provocante, e Sargent fu costretto a ridipingerla al suo posto.

Joaquín Sorolla (1863–1923) fu il pittore della luce. Un delicato abito bianco in fine batista svolazza dolcemente nella brezza marina, mentre chi lo indossa scosta il velo di tulle del proprio ampio cappello di paglia — una delle immagini iconiche che fecero di Sorolla il pittore più universale di Valencia, la cui opera divenne parte dell’identità estetica stessa della città. Tra i massimi rappresentanti della pittura iberica moderna tra XIX e XX secolo, contribuì in modo decisivo al suo rinnovamento, aprendola al clima della Belle Époque; a Londra, nel 1908, fu acclamato come “il più grande pittore vivente al mondo”.

I gioielli sono stati legati alla femminilità nel corso dei secoli: nell’antica Grecia e nella civiltà etrusca, le donne indossavano gioielli elaborati come segno di status e bellezza — gli orecchini, in particolare, erano molto apprezzati tra le donne etrusche intorno al VI secolo a.C. In epoca romana, sebbene i gioielli fossero indossati da entrambi i sessi, le donne preferivano orecchini, collane e bracciali, mentre anelli, spille e corone d’oro tra i patrizi indicavano ricchezza e potere, secondo un codice non scritto su cosa potesse indossare chi. Nel Medioevo i gioielli restarono un segno di status ma divennero più contenuti, specie tra i più devoti; il Rinascimento riportò in voga i pendenti, abbinati a scollature profonde, mentre l’epoca vittoriana mantenne i gioielli al centro dell’eleganza femminile. Dal XX secolo in poi, il loro uso si diffuse ulteriormente, con icone femminili che ne resero popolari modelli specifici, contribuendo a plasmare ideali di femminilità sempre più vari.

Quando i giornali riportarono la notizia della morte di Henri de Toulouse-Lautrec, le parole trasudavano disprezzo e pietà — un artista strano e deforme, morto miseramente in un manicomio, vittima della propria follia. Quella narrazione implacabile trascurava l’essenza vera della sua arte. Il francese (1864–1901) fu in realtà un grande grafico, disegnatore e pittore molto prolifico di fine Ottocento, noto in particolare per i manifesti e le pubblicità realizzati per gli spettacoli del celebre nightclub Moulin Rouge. Le sue opere raffiguravano le scene più eccentriche della vita notturna parigina e oggi esprimono i radicali cambiamenti sociali ed economici di quel periodo rimpianto e mitizzato noto come Belle Époque.