Artistic Nudes

Il 12 agosto 1827 moriva a Londra il poeta William Blake, visionario artista inglese. Appassionato di arte medievale, fu anche pittore e grande miniaturista, famoso per le sue poesie caratterizzate da una forte spiritualità. ‘Stai ferma Kate! Ti farò un ritratto, perché per me sei sempre stata come un angelo’: furono queste, si racconta, le ultime parole di William Blake, rivolte alla moglie Catherine Boucher, sposata a soli vent'anni contro la volontà del padre. Si narra che anche nell'ultimo giorno di vita Blake lavorò senza concedersi un attimo di riposo; morì verso le sei di sera, dopo aver completato il ritratto di Kate e averle giurato che le sarebbe rimasto per sempre accanto.

‘William Blake morì il 12 agosto 1827, svanendo lentamente nell'ombra di un'epoca che non gli aveva mai reso gli onori che meritava. Solo molti anni dopo, agli inizi del Novecento, l'opera prodigiosa e visionaria di William Blake cominciò ad essere apprezzata dal grande pubblico, venendo valorizzata da studiosi e critici accademici.’ (Alice Figini) La figura piegata al centro del collage, che tiene in mano il compasso, è Isaac Newton, tratta dal celebre capolavoro dipinto da Blake nel 1795. ‘Newton, uomo nudo creato dal caos, sembra sfondare il caos. Sta scoprendo la legge che è insita nella sua stessa natura fisica… Blake cercò di esemplificare il significato più profondo del suo pensiero filosofico nella tensione tra il realismo immediato della sua immagine e il simbolismo fantastico.’ (Emil Krén)

L'artista italiano Luigi Bonazza operò nella prima metà del Novecento. Dopo la laurea, nel 1897 si trasferì a Vienna e si iscrisse alla Kunstgewerbeschule, dove seguì il corso di pittura di Franz von Matsch, artista che aveva lavorato con i fratelli Klimt. Nella capitale austriaca, dove affittò un atelier, collaborò con alcune riviste e ricevette le prime commissioni.

‘Bonazza mantenne sempre i contatti con l'ambiente culturale italiano, partecipando ad alcuni concorsi per decorazioni e illustrazioni, come quello promosso dalla rivista milanese La Lettura, che vinse nel 1904. Nello stesso anno iniziò la grande tela La leggenda di Orfeo, presentata all'Esposizione Internazionale di Milano del 1906.’ (Vittorio Sgarbi) Bonazza si ispirò al repertorio iconografico della Secessione viennese, subendo il fascino delle raffigurazioni di Gustav Klimt: le sue opere vennero esposte a Vienna alla XXXVII mostra della Secessione nel 1911 e, l'anno successivo, alla X Biennale di Venezia. Nel 1913 la rivista berlinese Die Kunstwelt pubblicò le tavole del ciclo che lo rese celebre, gli ‘Amori di Giove’, poi acquisite dalle collezioni viennesi dell'Albertina, dalla Galleria Lemercier di Mosca e da collezionisti di Parigi, Londra e San Pietroburgo. Ogni artista ha avuto il suo piccolo o grande rifugio: Pablo Neruda scriveva dalla sua barca nel Pacifico, Frida Kahlo aveva la sua casa blu in Messico, Monet il suo giardino a Giverny. In Italia, nella città di Trento, troviamo una casa diventata essa stessa un'opera d'arte: quella di Luigi Bonazza, frutto delle cospicue vendite dei suoi quadri a numerosi collezionisti europei.

William-Adolphe Bouguereau (1825–1905) fu uno dei principali pittori francesi della fine del XIX secolo. La sua pittura è caratterizzata da una perfetta padronanza sia della forma che della tecnica, con una finitura di alta qualità che raggiunge grandi effetti di realismo.

Dopo essersi trasferito a Parigi all'età di vent'anni, studiò con il pittore François-Édouard Picot. Ammesso all'École Royale des Beaux-Arts, gli fu conferito il Grand Prix de Rome nel 1850, che includeva una generosa borsa di studio per l'Accademia di Francia a Roma, dove iniziò a studiare l'anno successivo. Lì si dedicò allo studio della pittura rinascimentale italiana — il suo artista preferito era Raffaello — e delle antichità romane, rimanendo profondamente colpito dalla visita alle rovine di Pompei. Dopo il soggiorno a Roma, Bouguereau tornò nella sua città natale di La Rochelle, dove la sua carriera fiorì. Rimase fedele allo stile neoclassico per tutta la vita, dichiarando: ‘Nella pittura, sono un idealista. Nell'arte, conosco e voglio vedere solo la bellezza; per me, l'arte corrisponde al sentimento della bellezza pura.’

Agnolo di Cosimo, detto il Bronzino, è stato un pittore fiorentino. Le sue opere sono rare sul mercato: l'ultima apparsa, ‘Ritratto di giovane con libro’, è stata battuta all'asta per oltre 9 milioni di dollari nel 2015. Questo ritratto lo abbiamo posto al centro, in grande, nel nostro collage, dove alla base sono presenti alcuni dettagli dei suoi quadri, per rendere omaggio al grande artista.

‘Questo incredibile ritratto è una delle più interessanti scoperte recenti; è straordinario, un vero capolavoro della ritrattistica del XVI secolo.’ (Carlo Falciani) Il ritratto è stato esposto in una mostra al Met di New York nel 2022, rivelando come il mecenatismo dei banchieri fiorentini, al tempo dei Medici, si servisse dell'arte per consolidare il proprio potere, la propria reputazione e la notorietà futura. ‘Ritratti e politica’ era il titolo della mostra, ambientata in un'epoca in cui la famiglia Medici combatteva per il dominio di Firenze, e Bronzino era l'artista di riferimento per i ritratti nobiliari. La mostra si concludeva con una citazione di Leonardo da Vinci sull'immortalità dei grandi artisti: ‘Quanti imperatori e principi sono vissuti e morti, e di loro non rimane traccia?’ — un omaggio al potere duraturo della grande arte, e ai meriti dei potenti che la commissionano.

Il casting director è il professionista che coordina il casting, ovvero il lavoro di ricerca e selezione degli attori più adatti a interpretare i personaggi di un film, di un programma televisivo, di una pubblicità o di uno spettacolo teatrale. Assunto dalla produzione, dopo aver letto la sceneggiatura e confrontato le proprie opinioni con il regista e il produttore, tiene delle audizioni per fornire una selezione di nomi per ogni ruolo.

Questo è il tema che abbiamo scelto per il nostro collage, illustrato con figure tratte dalla storia dell'arte. Iniziando dalla donna in rosa a sinistra: Thérèse des Hours, cugina del pittore francese Jean-Frédéric Bazille, che la ritrasse nel 1864. Al centro, il gruppo dei partecipanti all'audizione che, a giudicare dalla loro nudità, sembrano destinati a una produzione di tutt'altro genere — tratto da un dipinto del 1560 del francese François Clouet, intitolato ‘Bagno di Diana’, soggetto mitologico che per secoli offrì agli artisti un rispettabile alibi per dipingere ed esporre nudi in stile classico, sempre apprezzati dai committenti, laici e religiosi. Chiude la scena a destra il nostro direttore del casting, dipinto nel 1625 dall'italiano Giovanni Lanfranco, una delle grandi figure del Barocco romano, la cui opera originale raffigurava Gesù in un episodio del Vangelo, destinata alla chiesa di San Marcello al Corso di Roma.

Per illustrare il nostro collage, abbiamo inserito il bassorilievo scolpito dallo spagnolo Diego Rodríguez nel 1555: Le tentazioni di Sant'Antonio Abate. Il santo sembra implorare i suoi carnefici per la tentazione sessuale alla quale stava per cedere. Abbiamo voluto rappresentare la tentazione con il nudo femminile, un particolare di un dipinto dell'italiano Tintoretto dello stesso 1555: Susanna e i vecchioni, oggi conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Negli ultimi decenni, gli scandali sessuali all'interno della Chiesa cattolica non hanno scalfito minimamente l'obbligo del celibato. Il sacerdote deve essere celibe, ovvero deve vivere in totale castità, astenendosi da qualsiasi rapporto sessuale, mantenendo un cuore libero anche emotivamente, perché consacrato al Signore. Nella sua enciclica, papa Paolo VI (Montini) ribadì la necessità del celibato ecclesiastico, pur ammettendo che: ‘Il Nuovo Testamento, in cui è custodita la dottrina di Cristo e degli Apostoli, non esige il celibato per i sacri ministri… Gesù stesso non impose questa condizione nella scelta dei Dodici, né lo fecero gli Apostoli riguardo a coloro che furono destinati alle prime comunità cristiane.’ (Lettera enciclica Sacerdotalis Caelibatus, 1967, p.5)

La leggenda, narrata dallo scrittore romano Apuleio, racconta che Psiche era la più bella di tre sorelle, una bellezza così rara che le persone dei villaggi vicini la chiamavano Afrodite o Venere. Ciò provocò l'ira della dea Venere, che chiese a Cupido di farla innamorare di un uomo brutto e insignificante. Ma quando Cupido vede Psiche, ne rimane colpito dalla bellezza e decide di proteggerla invece di farle del male, amandola senza mai rivelarle il proprio aspetto o la propria identità.

Il pittore francese Jacques-Louis David rappresentò magistralmente questa storia nel 1817, dipingendo Cupido che si alza con cautela per non svegliare Psiche addormentata. Il pubblico non apprezzò quest'opera, il cui realismo romantico stonava con la classicità algida che il mito avrebbe richiesto. Nel collage, abbiamo incluso a sinistra una figura femminile da un quadro di Annibale Carracci del 1596, che raffigura Venere mentre scopre l'inganno e si prepara a punire la giovane e bella Psiche. Secondo l'interpretazione di Freud, Cupido e Psiche simboleggiano la ragione e l'istinto, due forze presenti in ognuno di noi, alla ricerca di quell'equilibrio che solo permette di vivere in armonia con se stessi e con il mondo.

Qualsiasi atto di violenza o di coercizione rivolto a una donna per indurla a offrire il proprio corpo a un numero indeterminato di persone è un'azione riprovevole e, in molti stati, è considerato un crimine, anche quando l'induzione avviene senza l'uso della forza, minacce o inganno. Nella nostra società digitale, un'altra forma di induzione passa attraverso piattaforme e social media, spesso utilizzati per prendere di mira potenziali vittime, in particolare giovani, allettate con promesse di soldi facili a pubblicare immagini e video soft-core.

Nel nostro collage, l'immagine in cornice è tratta dal dipinto del 1865 dell'artista inglese Edward Armitage, dedicato alla vicenda biblica della regina Ester: il re Serse, ubriaco durante una celebrazione del terzo anno del suo regno, ordina alla regina di mostrare la propria bellezza davanti a lui e ai suoi ospiti; quando lei rifiuta, la fa bandire e cerca una nuova regina. La postura dei personaggi suggerisce un tentativo di persuasione amichevole; tuttavia, alla destra della regina c'è una donna già svestita, che allude al potenziale destino di Ester, dettaglio tratto da un'opera del 1571 del pittore francese François Clouet. Più drammatico è il satiro che tenta di approfittare di una Venere addormentata sul pavimento, dipinto dal francese Nicolas Poussin nel 1626; in piedi davanti a un muro, una donna nuda ci fissa, ritratta dal tedesco Hans Baldung nel 1523 — ogni immagine, nei secoli, una variazione sulla stessa pressione coercitiva che questo collage intende denunciare.

Egon Schiele (1890–1918) visse una vita breve ma intensa come artista, diventando una delle figure più controverse del movimento espressionista, assieme al conterraneo Gustav Klimt, che fu il suo mentore e condivise con lui l'interesse per la rappresentazione della nudità come esplorazione della sessualità stessa.

Personalità tormentata, Schiele usò linee nette e incisive che tradiscono la sua angoscia esistenziale; la sua arte, composta principalmente da ritratti e autoritratti, raffigurava costantemente il corpo umano in modo aggressivo e distorto. Le sue modelle preferite erano donne con cui l'artista aveva forti legami personali, affascinato com'era dall'erotismo che emanavano i corpi nudi. A causa di ciò, nel 1910 il pittore fu brevemente incarcerato, accusato di aver corrotto una minorenne; sebbene assolto dal reato, trascorse 24 giorni in prigione per aver esposto opere che le autorità ritenevano comunque pornografiche. Nel 1918 l'epidemia di influenza chiamata ‘spagnola’ raggiunse anche Vienna, mietendo circa 50 milioni di vittime in tutta Europa: tra queste, anche la vita di Egon Schiele, che morì prematuramente a soli 28 anni.

‘Nessuna mostra, fino a Nackte Männer (Uomini nudi) nel 2011 al Leopold Museum di Vienna, era mai stata dedicata al nudo maschile’: così scriveva il Musée d'Orsay di Parigi sul proprio sito nel settembre 2013, presentando la mostra ‘Il nudo maschile nell'arte dal 1800 ai nostri giorni’. Per colmare questa lacuna, il museo metteva a confronto opere di epoche e tecniche diverse, tutte ispirate al corpo maschile.

Occorre innanzitutto distinguere cosa suscita nella realtà la vista di un uomo senza vestiti: per l'assenza di pudore suscita imbarazzo, mentre un corpo nudo rimodellato e idealizzato dalla fantasia disinibita degli artisti fin dall'antichità classica viene accettato senza problemi. Con il nostro collage abbiamo voluto immaginare un manifesto per un'ipotetica futura mostra sul nudo maschile. Al centro abbiamo posto il ritratto, dipinto dall'italiano Pompeo Batoni, di William Weddell, politico britannico che sedette alla Camera dei Comuni alla fine del Settecento e fu anche un notevole collezionista d'arte — quindi, riteniamo, titolato alla compagnia che gli abbiamo riservato: a sinistra, ‘L'Atleta trionfante’, dipinto nel 1813 da un altro italiano, Francesco Hayez, autore anche delle altre figure di contorno, tra cui l'angelo che osserva indifferente la donna svenuta a terra — una sottile copertura sulle parti intime e una sola ala sulla schiena, forse a significare che ciò a cui sta assistendo gli formerà perdere la sua purezza angelica.

Sigmund Freud introduce, nel saggio ‘Al di là del principio di piacere’ (1920), la dualità insita nella psiche umana tra due pulsioni: Eros e Thanatos. Eros coincide con la libido, un'energia sessuale che segue il principio di piacere e tende esclusivamente alla soddisfazione; l'eterna insoddisfazione umana induce l'individuo a una ricerca continua e mai completamente appagata del piacere. Thanatos, dal nome della divinità greca della morte, compensa questa insoddisfazione: è la tendenza a tornare a uno stato inorganico in cui cessano le tensioni, la pulsione distruttiva e autodistruttiva che accompagna la sessualità.

Gustav Klimt, e in particolare Egon Schiele, sono gli artisti che più esprimono nelle loro opere queste due pulsioni contrastanti: in Klimt la sessualità è gioia e soddisfazione, in Schiele diventa tortura e punizione — ma la separazione non è mai così netta, e può apparire ambigua a seconda della sensibilità di chi osserva. ‘Nessuna opera d'arte erotica è spazzatura quando è artisticamente rilevante; diventa spazzatura solo attraverso l'osservatore, se questi è un maiale.’ (Egon Schiele)

‘Nel Seicento, il suo stile e le sue vicende personali la resero famosa in tutta Europa, in un campo quasi sempre dominato dagli uomini; Artemisia Gentileschi fu l'unica donna in Italia che conoscesse a fondo la pittura.’ (Roberto Longhi) Artemisia, nata a Roma nel 1593 e rimasta orfana di madre, alternò l'apprendistato nella bottega del padre, il pittore Orazio Gentileschi, con la cura dei fratelli minori. Il suo destino fu segnato da due uomini: uno illuminante e proficuo, l'altro drammaticamente violento.

Il primo fu lo scapestrato Caravaggio, molto chiacchierato per le sue opere spesso considerate scandalose, che veniva a trovare l'amico Orazio in cerca di compagnia e solidarietà. Il secondo fu Agostino Tassi, collaboratore occasionale del padre, temuto per le sue azioni violente, che la violentò dopo vari approcci respinti con forza da Artemisia. La violenza subita, e le successive umiliazioni di un processo che non le rese giustizia, la segnarono profondamente; il padre combinò in fretta il suo matrimonio e il trasferimento a Firenze con il modesto pittore Pierantonio Stiattesi, che deve la sua scarsa fama soprattutto a quell'unione. Negli anni seguenti Gentileschi si affermò come pittrice a pieno titolo; ‘Artemisia traspone le conseguenze psicologiche subite nei quadri dedicati all'edificante tema delle eroine bibliche — donne decise, incuranti del pericolo e animate da un desiderio di giustizia, che trionfano sul nemico crudele e affermano il loro posto nella società.’ (Roberto Longhi)

Espressionismo tedesco: uno dei movimenti artistici più rivoluzionari di tutti i tempi. ‘L'uomo è una corda tesa tra la bestia e l'uomo nuovo, una corda che attraversa un abisso… la grandezza dell'uomo sta nel suo essere un ponte, non un fine.’ (Friedrich Nietzsche) Spinti dal desiderio di ribellarsi alle convenzioni del periodo e ispirati da temi legati alla filosofia, alla vita interiore, alle emozioni primordiali e alla sessualità, i pittori dell'espressionismo tedesco furono i primi a usare il colore in modo spontaneo, istintivo, fortemente emozionale.

L'irrequietezza della società tedesca dei primi anni del Novecento divenne centrale nel movimento; forme insolite e colori vividi ne divennero i segni distintivi, pensati per gettare un ponte tra la pittura classica neo-romantica e il nuovo stile che si sarebbe poi definito ‘espressionismo’. Per la prima volta, psiche, spiritualità e misticismo trovarono espressione visiva in opere divenute simboli dell'era moderna — composizioni dominate dalla figura umana, con molti ritratti di nudo, accanto a paesaggi, scene cittadine e interni borghesi. Questi artisti lavorarono durante il culmine della Prima guerra mondiale e divennero la voce della disillusione e delle profonde ansie dell'epoca.

Perdere il proprio baricentro è quella sensazione inquietante che molti di noi conoscono nella vita: il punto in cui una persona mantiene l'equilibrio interiore senza esserne sopraffatta. Quell'equilibrio ci consente non solo di stare in piedi, ma di navigare nel caos della vita con chiarezza e distacco. Illustrare un tema così profondo in un collage non è stato semplice: lo abbiamo immaginato come un momento di caos, in cui l'assenza di gravità spoglia le persone delle loro certezze mentre cercano un nuovo equilibrio.

L'uomo al centro, dipinto dall'americano Grant Wood nel 1939, sembra l'unico rimasto in equilibrio; potrebbe però essere un'illusione, dettata dalla presunzione spesso riscontrabile nelle rappresentazioni di una virilità ostentata. La donna in basso, dipinta da Artemisia Gentileschi e incurante del serpente accanto a lei, esce dalla rigida cornice del proprio dipinto, indicando con la mano l'uomo che la guarda indifferente. Altre figure della storia dell'arte prendono parte al collage: nella cornice nera a sinistra, una donna dipinta da Emiliano Di Cavalcanti nel 1930; alla destra dell'uomo, una figura dell'italiano Orazio Gentileschi (padre di Artemisia) del 1621; e, fluttuante in alto senza peso, una modella nuda del francese Edgar Degas (1886), ai cui piedi si trova il celebre studio del movimento del 1887 di Eadweard Muybridge, il pioniere inglese della fotografia noto come ‘il fotografo del movimento’.

Il titolo del collage riporta una citazione della scienziata italiana, premio Nobel per la Medicina 1986, Rita Levi-Montalcini, che in un'intervista del 2009, in occasione del suo centesimo compleanno, dichiarò: ‘Lascia che il corpo faccia ciò che vuole. Io non sono il corpo: io sono la mente.’ Il collage mostra un uomo nudo, visibilmente privo di cervello, che fissa senza emozioni altri corpi in varie fasi della vita, tutti accomunati dallo stesso destino: il decadimento del corpo.

‘E quando il corpo muore?’ le chiese di nuovo l'intervistatore. ‘Ciò che sopravvive è ciò che hai fatto, il messaggio che hai trasmesso,’ rispose l'indimenticabile Montalcini. Nel suo caso, ciò che le sopravvive, oltre al Nobel stesso, è la scoperta della proteina NGF (Nerve Growth Factor): somministrata nei topi di laboratorio, arresta la progressione della malattia di Alzheimer, e potrebbe rivelarsi utile anche contro altre malattie neurodegenerative. Produrre NGF artificialmente, però, comporta ancora costi enormi, e le case farmaceutiche difficilmente investiranno finché le economie di scala non renderanno il nuovo farmaco economicamente sostenibile.

Il pittore austriaco Egon Schiele è famoso, per alcuni famigerato, per l'intensità disturbante dei suoi corpi nudi contorti e per la cruda sessualità dei suoi dipinti, molti dei quali autoritratti. Importante pittore figurativo del Novecento, creò oltre 3.000 opere su carta e circa 300 dipinti, spesso considerati scioccanti per un erotismo del tutto privo di travestimenti romantici.

Le sue linee frastagliate e gli accostamenti cromatici accentuati lo identificano come uno dei primi campioni dell'espressionismo austriaco, che rifiutava gli standard convenzionali di bellezza in favore della bruttezza e di emozioni crude, talvolta esagerate. Gustav Klimt, artista affermato e generoso mentore di nuovi talenti, si interessò particolarmente al giovane Schiele dopo averlo incontrato nel 1907. Concludiamo con le parole di Schiele, che riassumono l'intera sua poetica: ‘Anche le opere d'arte erotiche possiedono sacralità.’ Come altri artisti ‘maledetti’, anche Schiele morì giovane, colpito dall'influenza detta ‘spagnola’, che tra il 1918 e il 1920 causò circa cinquanta milioni di morti nel mondo — più di tutte le vittime della Prima guerra mondiale appena conclusa.

La giovane donna che ci guarda dall'angolo in basso a sinistra è stata dipinta dall'artista spagnolo Santiago Rusiñol, comproprietario del famoso caffè artistico ‘Els Quatre Gats’ (I Quattro Gatti), luogo d'incontro dei principali artisti, architetti, scrittori e musicisti di Barcellona — incontri grazie ai quali il Modernismo e il Simbolismo si radicarono saldamente nella pittura spagnola. Sempre a sinistra, la donna in piedi con i capelli rossi è Elli Forssell, moglie del pittore Jānis Rozentāls, primo pittore lettone inserito nel calendario UNESCO che celebra gli anniversari di nascita delle maggiori personalità della cultura.

I nudi al centro sono opera di Gustav Klimt, l'artista viennese il cui stile elegante, sensuale e decorativo contribuì a definire l'Art Nouveau. Il titolo del collage ci è stato suggerito da un vecchio articolo sulla storia della prostituzione svizzera, di cui riportiamo il passaggio che ci aveva incuriosito: ‘Nel territorio della vecchia Confederazione Elvetica, le donne che offrivano i loro servizi lavoravano in luoghi fissi: postriboli, osterie e bagni pubblici. Pochi sanno del fenomeno delle prostitute itineranti, che operavano al seguito di eventi particolari come il Concilio di Basilea (1431-49) o le fiere di Zurzach.’ (Philipp Sarasin)

Il soggetto del nostro collage sono le Tre Grazie, dipinte dal tedesco Lucas Cranach il Vecchio nel 1535. Figlie di Zeus, le tre fanciulle incarnano la bellezza e la grazia femminile; il poeta greco Esiodo ci ha tramandato i loro nomi: Gioia, Splendore e Prosperità. Le Grazie divennero popolari durante il Rinascimento, in un rinnovato interesse per il mondo antico, e Cranach ne coglie il fascino in una sensualità del tutto naturale.

Dagli antichi Greci e Romani fino all'arte moderna, le Tre Grazie sono state un tema ricorrente, sempre raffigurate nella loro nudità nonostante le variazioni negli stili — sensuali o pure, aggraziate o imponenti, hanno attraversato i secoli senza mai perdere il loro fascino femminile. Nel collage, altre tre bellezze si uniscono a loro: il volto in primo piano è uno studio dell'austriaco Gustav Klimt per il ritratto del 1908 dell'eroina biblica Giuditta; di fronte a lei, sdraiata a terra, una modella dipinta dalla francese Suzanne Valadon nel 1919; sullo sfondo, una donna dormiente sta per essere svegliata da un incubo incarnato da una strana creatura che le siede sopra. Quell'immagine provocatoria, dipinta nel 1846 dal tedesco Ditlev Blunck, intendeva smascherare l'ipocrisia borghese che di giorno finge di scandalizzarsi della nudità che brama di notte.

Gustav Klimt (1862–1918) è certamente uno degli artisti più iconici di tutti i tempi. La sua produzione continua ad affascinare intere generazioni, soprattutto per la rappresentazione di donne sensuali avvolte in elaborate decorazioni geometriche, spesso dorate. Per tutta la vita Klimt fu affascinato dalle donne, dipingendole in ogni modo possibile; si dice amasse circondarsi di modelle nude nel suo atelier anche quando non intendeva dipingere, ma solo studiarne i movimenti, la sinuosità dei corpi, lo sguardo.

La componente erotica che percorre tutta la sua produzione lo rese un facile bersaglio per critici come l'architetto Adolf Loos, precursore del modernismo, che lo accusò di un ‘inquinamento erotico’ che rovinava i suoi quadri. ‘Il grande merito di Klimt è stato quello di rappresentare le donne in modo nuovo e personale, normalizzando la nudità femminile. Anche nelle pose più audaci non è mai volgare, mantenendo sempre un sentimento di intimità, sensualità, naturalezza e, a tratti, tenerezza — prendendo l'idea di erotismo dai giapponesi, dove la tensione erotica vive nel gioco tra ciò che è visibile e ciò che è nascosto.’ (Monica Marcoleoni) L'erotismo nell'arte ha assunto molte altre forme in culture ed epoche diverse, ma per molti Klimt rimane insuperato — e non potrebbe essere altrimenti per un autore che sosteneva che ‘tutta l'arte è erotica’.

Gli anni centrali della produzione di Klimt sono gli anni Dieci del Novecento, in una Vienna in grande fervore culturale, scossa dalla scoperta freudiana dell'inconscio e turbata dalla centralità che la sessualità assume nelle teorie del padre della psicoanalisi. Queste teorie influenzano profondamente la poetica dell'artista, in cui il corpo femminile si impone prepotentemente come protagonista, relegando l'uomo a un ruolo marginale nel suo repertorio iconografico.

Le sue donne appaiono a tratti fiere e crudeli, a tratti sensuali e consapevoli, ma soprattutto superiori all'uomo perché, a differenza di lui, capaci di procreare, di abbandonarsi senza paura all'amore e alla passione del rapporto sessuale; un pensiero che richiama Lou von Salomé, ‘la donna russa con la rivoluzione nel cuore’, come la definì lo psicoanalista Cesare Musatti. ‘Il merito che va riconosciuto a Klimt è certamente quello di aver liberato la sessualità femminile, facendone uno dei suoi temi centrali, raccontandola esplicitamente e al tempo stesso velandola di mistero e sofferenza — quale luogo più appropriato dell'arte per esprimere le pulsioni più nascoste e inconsce dell'umanità, e per studiare quella strana creatura che è la donna, capace di crudeltà atroci ma al tempo stesso di amare e donarsi senza freni.’ (Valentina Grispo)