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Agnolo di Cosimo, conosciuto come Agnolo Bronzino, fu un pittore fiorentino (1503–1572). Attivo dalla fine degli anni '30 alla corte di Cosimo I de' Medici, fu tra i più raffinati e mirabili pittori del primo Manierismo, noto soprattutto come uno dei più abili ritrattisti della Firenze del tardo Rinascimento. Se in un quadro cerchiamo l'estetica pura, la raffinatezza intellettuale e la capacità di trasformare la pittura in un oggetto prezioso simile a un gioiello, Bronzino è semplicemente insuperabile.

Nella parte superiore del nostro collage vediamo il dettaglio di un'opera del 1545: la scena mostra gli Israeliti puniti per la loro infedeltà con i morsi di serpenti velenosi, un chiaro esempio della pittura manierista italiana, caratterizzata da pose complesse e muscolature accentuate. Dovendo riassumere il suo contributo alla storia dell'arte, potremmo definire Bronzino come ‘il maestro della distaccata eleganza’.

Antoon van Dyck fu un celebre pittore fiammingo nativo di Anversa (1599–1641). Principalmente ritrattista, divenne il primo pittore di corte in Inghilterra dopo un lungo soggiorno in Italia, dove studiò i grandi maestri per perfezionare la propria arte e trovare nuove committenze.

Nella parte superiore del collage vediamo il ritratto, datato 1630, del monaco Ermanno Giuseppe inginocchiato, mentre la Madonna appare distante, superiore e fredda: l'angelo, con fare benevolo, gli ha preso la mano e la sta guidando delicatamente verso le dita della Vergine. Sotto, un dipinto di cinque anni prima, con Dedalo e Icaro in procinto di tentare il volo, come narrato dal celebre mito: in primo piano, l'espressione del giovane Icaro trasmette tutta la sua ansia per la riuscita dell'impresa.

Auguste Rodin (1840–1917) fu il più influente maestro francese della scultura moderna. La sua grande originalità: modellare le figure umane con realismo, esaltandone il carattere e la fisicità. Pur consapevole delle polemiche suscitate dai suoi lavori, non volle mai cambiare stile.

‘L'Eterna Primavera’, l'opera del 1901 che presentiamo in alto, è un primo esempio del suo stile personale: forme levigate e armoniose che si distaccano lentamente dal blocco di marmo grezzo, assumendo le figure di due amanti. Nell'ispirazione di Rodin c'era sempre la donna — musa, fonte e destino di ogni cosa — come in ‘Pigmalione e Galatea’, in dettaglio nella parte inferiore del collage. Molte delle sue sculture sono cariche di un desiderio appassionato: all'Esposizione Universale di Parigi del 1900 allestì un padiglione privato per esporre le proprie opere, e da lì ebbe inizio il suo successo.

Michelangelo Merisi (1571–1610), universalmente noto come Caravaggio, è oggi considerato uno dei più celebri rappresentanti dell'arte occidentale di tutti i tempi. Di animo irrequieto, nella sua breve vita affrontò gravi vicissitudini: responsabile di un omicidio e condannato a morte, dovette fuggire per il resto dei suoi giorni.

I primi piani dei due giovani sono tratti da un'opera del 1595, che l'artista replicò l'anno successivo variando pochi dettagli: il quadro raffigura una giovane zingara che, mentre finge di leggere la mano a un ingenuo giovane soldato, gli sfila abilmente l'anello dal dito. Delle due versioni, la prima è conservata ai Musei Capitolini di Roma, la seconda si trova al Louvre di Parigi. Il dipinto è noto per il suo realismo e per l'uso innovativo della luce, tratto distintivo dello stile barocco di Caravaggio.

Edgar Degas (1834–1917) fu uno dei più celebri pittori e scultori francesi, associato al movimento impressionista, sebbene il suo stile si distingua spesso da quello degli altri esponenti del gruppo. Famoso per le sue vivide rappresentazioni della vita parigina — dalle ballerine di balletto alle corse dei cavalli, fino ai ritratti più intimi.

All'esposizione impressionista del 1886, Degas espose dieci pastelli raffiguranti una serie di donne nude intente in attività private: con queste opere si chiude il percorso artistico dell'artista, iniziato con lo studio dei grandi nudi del passato. Il pittore, ormai maturo, sembra spogliare i suoi nudi dell'aura classica delle opere giovanili senza mai cadere nella volgarità, rappresentando scene quotidiane a cui ogni persona dell'epoca era solita sottoporsi.

Édouard Manet (1832–1883), uno dei primi artisti francesi dell'Ottocento a dipingere la vita reale, è oggi considerato il maggiore interprete della pittura pre-impressionista, protagonista della transizione oltre il realismo. Nato in una famiglia dell'alta borghesia con forti legami politici, rinunciò a un futuro agiato per dedicarsi solo alla pittura.

Il quadro nella parte superiore è ‘La Ferrovia’ del 1873, ambientato nella famosa Gare Saint-Lazare di Parigi: la giovane madre, in attesa del treno con la figlia accanto, appare elegantemente vestita, con in grembo un cucciolo, un libro aperto e un ventaglio. Manet fu l'incarnazione del ‘pittore della vita moderna’, espressione coniata dal critico e poeta Charles Baudelaire. Tra il 1878 e il 1879 dipinse una serie di scene ambientate nel Cabaret de Reichshoffen sul Boulevard Rochechouart (nel quadro sotto), dove donne ai margini della società si mescolavano liberamente con eleganti gentiluomini.

Secondo le parole di Rudolf Leopold, Egon Schiele (1890–1918) fu un maestro assoluto: ‘bisognerebbe risalire alla storia dell'arte fino a Rembrandt e Dürer per trovare linee tracciate con la stessa sicurezza e intensità’. Allievo di Gustav Klimt, Schiele fu uno dei maggiori artisti del primo Novecento ed esponente di spicco del primo espressionismo viennese.

Questa toccante composizione, raffigurante una madre e una figlia e realizzata nel 1913, possiede una capacità insuperabile di ricostruire tratto per tratto il processo creativo dell'artista austriaco. Il suo lavoro è noto per l'intensità espressiva, l'introspezione psicologica e la comunicazione del disagio interiore: i suoi numerosi ritratti hanno da sempre suscitato polemiche per la crudezza delle forme. I soggetti sono spesso uomini e donne che posano nudi, simbolo del suo rapporto complesso col corpo femminile — corpi contorti, figure incompiute, ritratti e autoritratti considerati scandalosi ai suoi tempi.

Frida Kahlo (1907–1954) è una delle artiste più importanti dell'arte messicana. Chi la conobbe la descrisse come una donna molto passionale, indipendente e ribelle: da adolescente amava vestirsi come le ‘soldaderas’, le donne che combatterono nella rivoluzione messicana; si iscrisse al partito comunista ed ebbe numerosi amanti, sia uomini che donne.

Una sera di luglio del 1929, nella sua casa di Coyoacán, Frida Kahlo vendé il ritratto delle due donne raffigurato in alto — Salvadora ed Herminia — per 300 pesos a Jackson Cole Phillips, un ingegnere americano residente a New York: fu il primo quadro che vendé in assoluto. L'autoritratto con l'abito di velluto rosso, sotto, risale invece al 1926: influenzato dallo stile di Modigliani, è la prima opera professionale dell'artista, dipinta per il fidanzato dell'epoca, Alejandro Gómez Arias. Le sue tele furono molto apprezzate dal compagno Diego Rivera, dal poeta surrealista André Breton e da artisti come Pablo Picasso, Joan Miró e Vasilij Kandinskij.

Gian Lorenzo Bernini (1598–1680) fu architetto, scultore e anche pittore, come dimostra ‘Il carnefice con la testa del Battista’ nella parte inferiore del collage. Artista poliedrico, Bernini è considerato il massimo protagonista della scultura figurativa barocca: la sua opera ebbe un successo enorme e dominò la scena europea per oltre un secolo dopo la sua morte.

Secondo il mito, Medusa aveva il potere di trasformare in pietra chiunque la guardasse direttamente. Quella di Bernini è il ritratto di Medusa nel momento della sua metamorfosi, secondo la versione di Ovidio: punita da Atena per aver profanato il suo tempio, viene trasformata in questo mostro orribile, con serpenti al posto dei capelli, e la vediamo qui rappresentata proprio mentre realizza, con orrore e angoscia, la propria mutazione. Bernini intendeva la sua Medusa come una raffinata metafora barocca della scultura e della virtù dello scultore, capace di ‘pietrificare’ chi ne è l'oggetto.

Artista poliedrico e molto prolifico, il toscano Giorgio Vasari (1511–1574) è noto soprattutto per essere stato il primo storico dell'arte dell'età moderna. Può essere considerato a pieno titolo un protagonista del tardo Rinascimento e uno degli intellettuali più influenti del suo tempo — il padre stesso del termine ‘Rinascimento’.

Il celebre profilo di Dante Alighieri è tratto dal dipinto ‘Sei poeti toscani’ che Vasari realizzò nel 1544: i poeti raffigurati sono, da sinistra, Cino da Pistoia, Guittone d'Arezzo, Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Dante Alighieri e Guido Cavalcanti; l'opera è oggi conservata al Minneapolis Institute of Art. Sotto, possiamo ammirare San Marco intento a scrivere il proprio Vangelo, nel ritratto che Vasari dipinse nel 1570 su tavole raffiguranti gli altri evangelisti, commissionate da Papa Pio V: le tavole di San Marco e San Luca sono oggi esposte alla National Gallery di Washington.

Il bolognese Guido Reni (1575–1642) è uno dei massimi esponenti dell'arte italiana del Seicento, chiamato dai contemporanei ‘il divino Guido’. Figlio del musicista Daniele, abbandonò gli studi musicali per dedicarsi alla pittura, alternando soggiorni a Bologna, Roma e Napoli e realizzando opere di grande importanza per la storia dell'arte.

In alto dipinse, nel 1630, un episodio biblico: la moglie di Putifarre si invaghì del giovane Giuseppe e tentò più volte, senza successo, di sedurlo. Nel dettaglio la donna afferra la veste di Giuseppe, supplicandolo di giacere con lei; Giuseppe fugge lasciandole in mano un lembo del mantello lacerato, e la donna umiliata lo accusa ingiustamente di stupro. L'uomo viene gettato in prigione, dove la sua capacità di interpretare i sogni degli altri detenuti lo porterà infine alla corte del faraone. Sotto, nel dipinto del 1637, vediamo il ritratto della Fortuna, la dea talvolta bendata, incarnazione della sorte imprevedibile.

L'austriaco Gustav Klimt (1862–1918) è senza dubbio un artista celebrato come visionario, per il suo profondo desiderio di tradurre stati emotivi e spirituali in ciascuna delle opere concepite. Il suo stile è celebre per le linee sinuose, le forme geometriche, il forte simbolismo e l'uso sontuoso della foglia d'oro.

Giuditta è un'eroina biblica, giovane e ricca vedova, nota per aver salvato la città di Betulia assediata dagli Assiri: sedusse il generale Oloferne e lo decapitò nel sonno, diventando simbolo di forza, astuzia e liberazione femminile. Il tema di Giuditta, tra i più persistenti della produzione artistica occidentale, fu affrontato dall'artista viennese in due versioni: la prima nel 1901 (sotto), la seconda nel 1909 (sopra). I due dipinti segnarono una svolta rivoluzionaria, restituendo il mito biblico attraverso una donna del Novecento sensuale, distante, quasi assente — che Sigmund Freud avrebbe descritto nel celebre saggio ‘Il tabù della verginità’ del 1917.

Conosciuto soprattutto come il più significativo esponente francese del movimento realista, Gustave Courbet (1819–1877) fu pittore di composizioni figurative, paesaggi, marine e ritratti femminili; si occupò anche di questioni sociali, a cuore le difficili condizioni di vita dei contadini e dei cittadini più poveri.

‘Jo, la bella ragazza irlandese’, dai capelli di un rosso tizianesco, è considerato uno dei ritratti più affascinanti di Courbet: la modella era Joanna Hiffernan, detta Jo, che l'artista conobbe nel 1865 a Trouville, la nuova località balneare alla moda in Normandia. Courbet ne dipinse quattro versioni, tenendone una per sé, e in tarda età scrisse a un amico: ‘Ho ancora il ritratto di Jo, che non venderò mai!’. Il nudo sottostante è invece quello di Léontine Renaude, all'epoca del ritratto (1862) amante del pittore: il dipinto segna un'evoluzione nell'approccio di Courbet al nudo femminile — figura ammorbidita, pennellata più leggera, pelle più liscia — per non correre il rischio che l'opera venisse giudicata indecente.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) era alto appena 142 centimetri, a causa di due incidenti infantili in cui si rupp le gambe e di una rara malattia ossea da cui non guarì mai del tutto: dovette camminare con un bastone e fu spesso deriso. Ciò nonostante, il pittore francese è considerato tra gli artisti più significativi dell'arte di fine Ottocento.

Quando il Moulin Rouge aprì i battenti nel 1889, a Toulouse-Lautrec fu chiesto di disegnare i manifesti per il lancio pubblicitario del locale, che sarebbe diventato l'icona della Belle Époque: al pittore fu riservato un posto fisso e il locale espose i suoi dipinti, dove trovò molti dei soggetti per le opere più famose. La sua carriera professionale durò solo 19 anni, eppure in questo breve lasso di tempo realizzò 737 dipinti su tela, 275 acquerelli, 363 tra stampe e manifesti e 5.084 disegni. La sua arte fu influenzata dalla nuova moda delle stampe artistiche, per questo realizzava spesso diverse versioni della stessa opera — una dipinta e una in formato poster — come esemplificato dal nostro collage.

Il pittore bergamasco Jacopo Palma il Vecchio nacque a Serina nel 1480. Lavorò nella Venezia del secondo decennio del Cinquecento, popolata dall'arte dei maestri Giovanni Bellini, Giorgione e Tiziano: fu qui che sviluppò la propria carriera, ritraendo principalmente altolocati committenti della laguna, fino alla morte nel 1528.

Presentiamo due esempi di ritratti femminili nei quali si notano già le caratteristiche che contribuirono a rendere Palma uno dei maestri più richiesti. ‘Le due giovani donne appaiono intimidite dall'essere state colte in un momento confidenziale, dove i loro corpi sinuosi vengono mostrati candidamente, senza alcuna pudicizia; il pittore ne esalta la bellezza con la plasticità dei corpi dall'incarnato lucido e madreperlaceo’ (Alessia Codazzi). Entrambe rappresentano il prototipo della bellezza femminile del tempo: il viso luminoso e chiaro, le forme morbide, i dettagli delle vesti lasciate scivolare ingenuamente dalle spalle.

Jacques-Louis David (1748–1825) fu un pittore francese, tra i più importanti esponenti del Neoclassicismo. Durante il suo viaggio in Italia, riscoprendo la bellezza dell'antichità, sviluppò una pittura più elegante e solenne, scrivendo nel 1808: ‘compresi che dovevo separarmi da tutto ciò che in precedenza avevo creduto essere il bello e il vero’.

David nutriva una profonda ammirazione per Napoleone Bonaparte, tanto da mettersi al suo servizio come pittore ufficiale, ritraendone le gesta in modo che l'imperatore risaltasse quasi come un dio. Dopo la caduta di Bonaparte, con la restaurazione della monarchia in Francia, David — preoccupato per il suo passato rivoluzionario e bonapartista — decise di mettere al sicuro le proprie opere rifugiandosi prima in Svizzera e poi a Bruxelles, dove visse ufficialmente in esilio dal 1816. La ‘Giovane donna con turbante’ è invece un'opera pre-rivoluzionaria, datata 1780, in cui l'artista sembra concentrarsi sul rapporto tra moralità e bellezza.

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867), tra i massimi esponenti della pittura francese dell'Ottocento, fu amatissimo da pionieri della modernità come Degas, Matisse e Picasso. ‘L'artista non segue le mode, non copia la natura, non imita i maestri, ma compone in un linguaggio ideale tutto suo, ispirato all'antico’ (Francesca Greco).

Ingres ricevette l'incarico di dipingere diverse immagini della Madonna a partire dagli anni Quaranta dell'Ottocento, in uno stile che rimandava a Raffaello: ne dipinge così ritratti più sensuali, ritoccando la purezza dei lineamenti e socchiudendo le labbra — opere che, non essendo destinate all'esposizione pubblica, furono probabilmente commissionate da collezionisti privati. Anni prima aveva prodotto, su temi danteschi, alcune versioni della tragica storia d'amore tra Paolo e Francesca: immagini tenere e romantiche, con l'enfasi sul bacio fatale, che esprimono tutta la qualità distintiva della tavolozza di Ingres.

Aprile 1452: in un piccolo villaggio della campagna toscana nasce il figlio illegittimo di un notaio e di una contadina. Nessuno immagina che diventerà uno dei più grandi personaggi della storia: Leonardo. I ritratti femminili di Leonardo da Vinci sono più di semplici rappresentazioni: sono studi psicologici che hanno cambiato per sempre la storia dell'arte.

Leonardo non si limitava a dipingere un volto: cercava di dipingere ‘i moti dell'animo’, introducendo due tecniche fondamentali che rendono i suoi volti quasi vivi. Lo sfumato: eliminando i contorni netti, faceva sì che le figure emergessero dall'ombra in modo naturale, evidente negli angoli degli occhi e della bocca. Il contrapposto: le sue donne sono spesso ritratte in torsione, con il busto rivolto da una parte e la testa dall'altra, un movimento che conferisce dinamismo e profondità spaziale alla figura. Per Leonardo, la bellezza esteriore era il riflesso della complessità interiore: a differenza dei contemporanei, che cercavano la perfezione simmetrica, lui cercava la vitalità.

Paul Gauguin (1848–1903) è il pittore francese che trasformò l'arte post-impressionista con paesaggi esotici, simboli e figure femminili. Trascorse l'infanzia in Perù, paese d'origine della nonna; tornato in Francia per gli studi, i risultati mediocri lo convinsero a imbarcarsi come marinaio, completando il giro del mondo in appena due anni.

Nel 1871, di nuovo a Parigi, iniziò a dipingere con entusiasmo, entrando in contatto nel 1879 con il gruppo impressionista, che frequentò fino al 1886. Nei suoi numerosi viaggi in Polinesia, lontano dalla numerosa famiglia, l'artista sembrò cercare un mondo felice e perduto: le sue tele si popolarono di alberi, fiori e frutti esotici, di spiagge e di figure femminili spesso nude. Sono diverse le adolescenti che prese come ‘mogli’ — una mentalità, la sua, oggi giudicata giustamente razzista e sfruttatrice, che resta l'aspetto più inquietante della sua parabola artistica e umana.

Paul Sérusier (1864–1927) è una figura centrale dell'arte francese post-impressionista, noto soprattutto per essere stato l'anima teorica del gruppo dei Nabis (termine ebraico che significa ‘profeti’). La svolta avviene nel 1888 in Bretagna: Sérusier incontra Paul Gauguin, che lo sprona a dipingere non ciò che vede, ma ciò che sente, attraverso l'uso del colore puro.

Nel 1921 pubblica ‘L'ABC della pittura’, un trattato in cui cerca di codificare le leggi del colore e della composizione. Dal 1908 insegna all'Académie Ranson, contribuendo alla formazione di nuove generazioni di artisti. Muore nel 1927 a Morlaix; la sua figura resta fondamentale — senza Sérusier e il suo piccolo paesaggio bretone, il simbolismo decorativo dei Nabis non sarebbe nato. Maurice Denis, compagno di gruppo, scrisse una frase che riassume la lezione appresa da Sérusier: ‘Ricordate che un quadro, prima di essere un cavallo da battaglia, una donna nuda o qualsiasi altro oggetto, è una superficie piana coperta di colori assemblati in un certo ordine’.

Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) è considerato uno degli artisti francesi più convinti e spontanei del movimento impressionista. Pittore prodigiosamente prolifico, con circa cinquemila quadri e infiniti disegni all'attivo, amava dire: ‘la pittura è un mestiere da operaio, come il falegname o la lavorazione del ferro, e sottostà alle medesime regole’.

Tra aspre critiche ma anche meritate lodi, Renoir iniziò a farsi un nome tra mercanti d'arte e collezionisti: furono soprattutto i suoi leggiadri ritratti a destare ammirazione. Un suo grande sostenitore fu l'editore Charpentier che, affascinato dalle sue opere, lo introdusse nel salotto letterario della moglie, frequentato dai maggiori intellettuali della città. Tra tutti gli esponenti dell'Impressionismo, Renoir fu quello dalla pennellata più gioiosa e lieve; egli stesso affermava: ‘Mi piacciono quei quadri che mi fanno venire voglia di entrarci dentro’.

Raffaello Sanzio (1483–1520) nacque a Urbino, un ducato dell'Italia centrale noto per la sua elegante raffinatezza rinascimentale, e si trasferì a Firenze verso la fine del 1504. ‘San Giorgio e il drago’ (1506) è la versione del tema realizzata dall'artista per una serie di tavole in miniatura dipinte a Firenze per celebrare la corte di Urbino.

Una curiosità del dipinto è la giarrettiera azzurra che il santo porta sulla gamba, con la scritta ‘HONI’, inizio della frase ‘Honi soit qui mal y pense’ (Vergogna a chi ne pensa male), motto dell'Ordine cavalleresco della Giarrettiera, di cui San Giorgio è il patrono. Del 1510 è invece il ritratto di un uomo rimasto sconosciuto (in basso nel collage), un dipinto meno noto di Raffaello ma di gran fattura: gli abiti raffinati ma sobri, lo sguardo diretto e il portamento fiero caratterizzano la nuova enfasi rinascimentale sull'individualismo. La posa di tre quarti dell'uomo, che richiama l'insegnamento di Leonardo, avrebbe fatto scuola.

Sandro Botticelli (1445–1510) è uno dei più importanti pittori di tutti i tempi, uno dei simboli del Rinascimento: il fiorentino che ha creato alcune delle opere d'arte più famose al mondo. Il suo stile è unico rispetto a quello dei colleghi — figure apparentemente prive di peso e di ombre, con un'eleganza decorativa lontana dal realismo dei suoi coetanei.

Botticelli non si sposò mai, anzi manifestò una forte avversione verso l'idea stessa del matrimonio, una prospettiva che gli procurava incubi. Si narra abbia sofferto per un amore non corrisposto nei confronti di Simonetta Vespucci, nobildonna sposata che, secondo la credenza popolare, fu proprio la modella della ‘Nascita di Venere’, soggetto del collage. Quest'opera fu probabilmente dipinta intorno al 1484 per la villa di Lorenzo de' Medici. Giorgio Vasari la vide a metà del Cinquecento insieme all'altra celebre ‘Primavera’ dello stesso Botticelli, e la descrisse proprio come ‘la Nascita di Venere’.

Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) fu uno dei grandi maestri dell'arte ukiyo-e (le ‘immagini del mondo fluttuante’) nel Giappone dell'Ottocento. Insieme a Hiroshige e Kunisada, dominò la scena artistica del tardo periodo Edo, caratterizzato dall'apertura del Giappone all'Occidente e dalla transizione verso la modernizzazione del paese.

A differenza dell'eleganza statica di altri maestri, le opere di Kuniyoshi sono piene di movimento e tensione muscolare: fu tra i primi a integrare elementi della prospettiva occidentale e del chiaroscuro nelle stampe giapponesi. Nonostante la censura, trovava spesso modi ingegnosi e simbolici per criticare le autorità. Molti dei suoi disegni di tatuaggi per i samurai del Suikoden restano ancora oggi modelli di riferimento per l'irezumi, il tatuaggio tradizionale giapponese, ed è considerato uno dei precursori estetici dei moderni manga e anime.

Con oltre 850 dipinti e quasi 1.300 opere su carta, Vincent van Gogh (1853–1890) — pittore, disegnatore e incisore attivo negli anni Ottanta dell'Ottocento — è il più grande artista olandese moderno, il più noto tra i post-impressionisti e forse il più riprodotto su qualsiasi supporto: insieme a Pablo Picasso e al nostro Leonardo, è tra i pittori più conosciuti al mondo.

Nella sterminata produzione del maestro olandese abbiamo scelto due ritratti femminili. Il primo, in alto, è la ‘Donna italiana’ datata 1887: si tratta di Agostina Segatori, ex modella di Corot, Gérôme e Manet, con la quale Van Gogh sembra aver avuto una breve relazione durante il suo soggiorno a Parigi. In basso, ‘L'Arlésienne (Madame Ginoux)’: nel gennaio 1890 Van Gogh conobbe ad Arles la famiglia Ginoux, proprietaria del caffè locale. Madame Ginoux non era in buone condizioni di salute mentale, e due giorni dopo anche Van Gogh ebbe un altro esaurimento nervoso; durante la convalescenza dipinse una serie di ritratti di lei, ispirandosi all'omonimo disegno dell'amico Gauguin, anch'egli ad Arles in quel periodo.